Por meio de um arco De altura indefinida, isto é, ruídos. São instrumentos basicamente rítmicos. O som é produzido por vibrações transversais numa membrana estendida sobre uma cavidade ressoante ou em corpos sólidos. Musica Instrumental Musica Religiosa Assim denominados porque, nestes instrumentos, o som é produzido pela emissão de ar dentro de um tubo. A altura do som depende do tamanho e da temperatura do tubo e pode ser regulada pela abertura ou pelo fechamento dos orifícios existentes ao longo do tubo. Relação dos compositores. por meio de um martelo ou por um mecanismo próprio. Por meio de um plectro ou pua, ou os próprios dedos do instrumentista Os instrumentos de cordas constituem a estrutura da orquestra ocidental moderna. Feitas de aço, latão, tripa ou nylon, as cordas são presas pelas extremidades, geralmente sobre uma superfície de madeira. Obtém-se o som, quando vibradas Musica Profana Descreve o período em que se encontra determinada obra ou compositor. Descreve o tipo de música. Capazes de produzir alturas precisas (as notas musicais). Descreve o nome do periodo. Descrição da forma musical. Ano de inicio do periodo. Descreve a vida musical dos musicos em cada periodo. Descreve as características músicais de cada período e época Ano de termino do periodo. aos 5 anos Minueto em Sol maior Modernismo As catástrofes sociais que abalaram o mundo na primeira metade do século XX mostraram o quanto era falso continuar fazendo música em termos de passado. Pesquisas rítmicas, o ressurgimento de formas musicais antigas para resultados modernos, o uso de várias tonalidades (politonalismo) ou de nenhuma (atonalismo) não constituem mero exotismo. Simplesmente refletem, com a força do real, a verdade da nossa época. Quando lgor Stravinsky (1882-1971) estreou a sua Sagração da Primavera, a 29 de maio de 1913, foi um escândalo. Mas o escândalo passou e a influência do compositor cresceu sem cessar, a despeito de todos os ataques da crítica. Uma corrente agressivamente nacionalista desenvolveu-se com Béla Bartók (1881-1945) e Zoltán Kodály (1882-1967), na Hungria; fazendo com que os compositores de todo o mundo volvessem sua atenção para o interior de suas respectivas pátrias, revivificando o mesmo espírito que decênios antes levara à formação do Grupo dos Cinco, na Rússia. Nos Estados Unidos, George Gershwin (1898-1937) valeu-se do "jazz", em busca das fontes originais da expressão musical de seu povo. Antes dele, Edward Alexander MacDowell (1861-1908) pesquisara o folclore indígena, estilizando-o em trabalhos de nítida influência alemã. No Brasil, Heitor Villa-Lobos (1887-l959) também buscou no folclore a inspiração para sua obra. Alexandre Levy (1864-1892), Aiberto Nepomuceno (1864-1920) e Emesto Nazareth (1863-1934) se haviam antecipado a ele, explorando os elementos indígenas, africanos e europeus que originaram a nossa cultura. Contudo, foi Villa-Lobos quem fez com que a música brasileira alcançasse sua expressão mais genuína, divulgando-se internacionalmente. Uma outra corrente da música contemporânea busca inspiração nos barrocos ou nos clássicos, como Monteverdi, Pergolesi e outros. É o Neoclassicismo ou o Neobarroco. Stravinsky passa por esta fase, em novo momento de sua diversificada carreira. Erik Satie (1866-1925) contribuiu com um movimento também anti-romântico, desenvolvendo, na mesma época de seu compatriota Debussy, um idioma harmonicamente arrojado. Partindo de Satie, reuniu-se na França o Grupo dos Seis - Francis Poulenc, Darius Milhaud, Arthur Honegger, Louis Durey, Germaine Tailleferre e Georges Auric, aos quais coube a implantação do Neo-Impressionismo, em termos de desligamento de Debussy. Ao mesmo tempo, o alemão Paul Hindemith (1895-1963) e Benjamin Britten (1913), na Inglaterra, empenhavam-se em reconquistar o público, fazendo "música funcional", mais habilidosa e acessível. Esta tendência surgiu em 1948 nos estúdios da rádio ORTF de Paris. A música concreta é a música gravada a partir de uma dado real, concreto: chuva, ronco de motor, fala, suspiro, trem etc... Estes sons, chamados de objetos sonoros, são gravados e editados, isto é: combinados, superpostos, retrogravados, alterados na sua velocidade inicial, fragmentados, diluídos e outros procedimentos técnicos. Depois de tudo a música é apresentada ao público através de uma aparelhagem de som. Concreta Hoje Les Sites auriculaires 1895 07/03/1875 1907 Rapsodie Espagnole Em 1859, Tchaikovsky concluiu os estudos jurídicos e passou a trabalhar no Ministério da Justiça. Em 1862 ingressou no recém fundado Conservatório de São Petersburgo, a primeira escola oficial de música na Rússia, onde estudou composição, piano, flauta e noções de órgão. Meses depois toma a decisão de abandonar seu emprego no Ministério da Justiça, dedicando-se inteiramente à música. A partir de então, Tchaikovsky passou por um período de dificuldades e pobreza, dando algumas aulas, acompanhando cantores medíocres ao piano e fazendo cópias de partituras. Em 1865 concluiu seu curso no Conservatório. Outros tempos estavam para se iniciar em sua vida. O Conservatório de São Petersburgo estava com excesso de alunos, o que levou seu diretor, Anton Rubinstein, a fundar outra escola, em Moscou, no ano de 1866, Nicolai Rubinstein, seu irmão, ficou encarregado de organizar a nova escola e contratar os novos professores, muitos deles ex alunos da escola de São Petersburgo, entre eles Tchaikovsky. Ilya Petrovitch Tchaikovsky 1879 Eugene Oneguin 1826 - 1842 Sonho de uma noite de verao 03/02/1809 Hamburgo Em 1818, com apenas nove anos, Felix fez sua primeira apresentação em público, em Berlim, começando sua carreira como instrumentista, maestro e compositor. Autêntico menino-prodígio, considerado um novo gênio da música, causava assombro em todos os lugares onde se apresentava. Por volta dos quinze anos, já compusera diversas obras, entre fugas, cantatas, sinfonias, quartetos, concertos e óperas. Terminada a fase de formação, os anos seguintes seriam marcados por viagens e por seu trabalho em prol da difusão da obra de Bach. No Natal de 1823, ganhou de sua tia-avó, Sara Levy, a partitura completa da Paixão segundo São Mateus, de Bach. Mendelssohn estudou-a nos mínimos detalhes e, depois de cinco anos, e após convencer músicos e cantores a participarem, apresentou a obra em Berlim, no dia 11 de março de 1829. A Paixão segundo São Mateus era apresentada na íntegra, pela primeira vez após a morte de Bach, ocorrida 79 anos antes. O público recebeu-a com entusiasmo. A partir daí, Bach retornava para o público e as audições de suas obras se multiplicariam com o tempo. Nos anos seguintes, Mendelssohn divulgou outras partituras do compositor, durante suas viagens, à frente de várias orquestras. Lea Solomon 04/11/1847 Jakob Ludwig Felix Mendelssohn-Bartholdy As Bodas de Camacho 1826 Abrahan Mendelssohn Peça musical destinada a anteceder uma ópera, uma suíte ou sinfonia. A partir do século XIX ganhou vida própria, passando a representar uma peça puramente orquestral, de caráter evocativo, próximo, em essência, ao Poema Sinfônico. Durante o século 17 apareceram dois modelos: a Abertura Italiana, que consiste em um andamento rápido, depois um lento e a volta do rápido, encadeados sem interrupção, e a Abertura Francesa, que começa com uma marcha solene e lenta e finaliza com um andamento rápido, também encadeados sem interrupção. Abertura A palavra significa "sala de reza". O oratório nasceu da lauda spiritual ("louvação espiritual" do latim), que eram músicas que narravam a vida e os milagres dos santos. Tais laudi eram apresentadas na sala do oratório da Congregação de São Felipe Neri em Roma. Os compositores, proibidos de compor óperas, desenvolveram as laudi, baseando-se em histórias do Velho Testamento e encenando-as As autoridades eclesiásticas, percebendo a manobra, proibiram a encenação de tais espetáculos e, daí em diante, só podiam ser apresentados em forma de concerto, sem atuação, figurino e cenografia e somente em dias e lugares religiosos e cantadas em latim. E batizaram o novo gênero de oratório, em homenagem ao local de onde foi iniciado o movimento. Pelos idos de 1740, a vida de Haedel ia de mal a pior. A empresa teatral que dirigia, a Royal Academy, acabara de fracassar pela segunda vez. Além disso, uma paralisia facial o privara de toda atividade. Como se não bastasse, viu-se abandonado por todos os seus amigos. Sem dúvida, o compositor atravessava o vale escuro da sombra e da morte. Seu gênio criador tendia a se tornar estéril em meio a tantas contrariedades. No entanto, é justamente numa noite escura de desespero e desalento que a Luz invade a alma, a vida e a arte de Händel, que experimenta, a exemplo de Davi, ser guiado pelo Pastor junto às águas refrescantes. Sentindo-se restaurado, o compositor escreve em apenas vinte e quatro dias seu mais célebre oratório, o Messias. Um canto de júbilo, que celebra o poder salvífico e renovador de Cristo, o qual, certamente, se fazia sentir em sua vida naquele momento. O texto foi literalmente extraído das Escrituras Sagradas, sendo o libreto arranjado por Charles Jannens. O oratório se divide em três partes: a primeira ilustra a ânsia do mundo pelo Messias, profetiza sua vinda e anuncia o seu nascimento; a segunda é dedicada ao sofrimento, morte e exaltação de Cristo e desenvolve o amplo triunfo final do Evangelho; a terceira é preenchida com a afirmação das mais altas verdades da doutrina cristã (a fé na existência de Deus, a crença na imortalidade da alma, na ressurreição e na felicidade eterna). Nero 1703 14/04/1759 Deidamia 1741 1703 Almira 1741 Imeneu 23/02/1685 Em 1707 apresenta sua primeira ópera em italiano, Rodrigo, em Florença, com êxito. Este sucesso animou-o a prolongar sua viagem até Veneza, um grande centro musical, onde travou conhecimento com o Príncipe Ernest de Hanover e fez amizade com Domenico Scarlatti. No ano de 1714 tornara-se compositor da corte inglesa, com vencimentos que lhe permitiam luxos e aplicações em sociedades comerciais. Vivia em situação delicada porém: permanecer na Inglaterra significava tomar partido, já que as relações entre a Rainha Anne e seus primos de Hanover eram pouco cordiais. Mas ele não se preocupou com acusações e deixou Hanover. Em 1719, a prosperidade econômica da Inglaterra favoreceu a fundação da Academia Real de Música, onde Haendel foi contratado como diretor. Neste ambiente ele tomou conhecimento da vida dos bastidores e conheceu a rivalidade das grandes vedetes, indisciplinadas o orgulhosas, na maioria italianas, que precisava selecionar. Saiu-se mal: como músico teve seu prestígio abalado pelo sucesso instantâneo de Bononcini; como empresário, não conseguiu controlar a disputa entre castrati e prime donne, cujo furor chegava às platéias, onde também se tomava partido. Essa situação culminou em 1726 quando as cantoras Faustina Bordoni e Francesca Cuzzoni - rivais em virtuosismo e vivendo papeis rivais na ópera Alessandro de Haendel - acabaram pôr se atracar em cena, para o delírio da platéia e a irritação de Haendel. Em 1746, pôr ocasião de uma tentativa de invasão à Londres, pôr parte do escocês Charles Edward, que pretendia tomar o poder, Haendel uniu-se aos patriotas ingleses, compondo o "Hino para os Voluntários de Londres". Após a derrota das tropas de Edward, Haendel escreveu "A Song of Victory over Rebels". Estas obras restituíram-lhe a popularidade. Após 35 anos a serviço da Inglaterra, Haendel consagrava-se, finalmente, como seu compositor nacional. Agrippina 1709 Georg Friedrich Haendel Rinaldo 1711 Halle Georg Haendel 1741 O Messias As Estacoes Mathias Haydn Missa Harmonia 1800 1823 - 1824 Composta entre 1823 e 1824, apresenta uma inovação, algo inédito até então: a inclusão da voz humana, solistas e coro na estrutura da sinfonia, durante a execução do último movimento. Foi exatamente esta inovação a causa maior da popularização da Nona Sinfonia, composta por base na Ode à Alegria, do poeta Friedrich Schiller. Para o compositor, a Nona Sinfonia era considerada muito mais que uma peça sinfônica: era na verdade uma síntese de todas as suas impressões acumuladas durante a vida. A Nona Sinfonia é composta por quatro movimentos: o primeiro, allegro ma non tropo, um poco maestoso, evoca o contraste incessante entre impaciência e ternura num ambiente de saudosa melancolia. O segundo movimento um molto vivace, mantém uma visão fantasmagórica e noturna, mas o trio intermediário faz uma evocação bucólica e idílica. No terceiro movimento adagio molto e cantabile Beethoven projeta sua visão de sonho, ânsia de uma paz interior, meditação e recolhimento, confissões íntimas e reminiscências existenciais. Em Grand Finale, último movimento, o compositor acrescenta a voz humana Alborada del Gracioso 1905 Originalmente escrita por para piano, em 1905, como a quarta peça da célebre coletânea denominada Miroirs, a Alborada Del Gracioso (Canção matinal do palhaço), foi orquestrada em 1912 pelo próprio compositor e apresentada sob esta forma em 1918. Baseando-se num personagem da comédia espanhola, criado por Lope de Vega, Ravel, um dos maiores mestres da arte de orquestrar, nos dá aqui um exemplo magistral de como empregar a extensa e rica paleta sonora orquestral, para pintar em cores fulgurantes um quadro musical da Espanha com todo o seu vigor e sensualidade, aonde não faltam instrumentos típicos como crótalos, castanholas e pandeiro. Sinfonia Dante Muito sensível, já aos seis anos era capaz de reproduzir com perfeição os temas que ouvia seu pai tocar ao piano. Tal proeza levou Adam Liszt a fazer do filho um pianista, encarregando-se, ele próprio de dar-lhe aulas. O aprendizado do pequeno Franz foi supreendente: aos oito anos começou a compor e aos nove se apresentou pela primeira vez, em uma cidade vizinha, executando um concerto de Ries. Após este sucesso, surgiram novas oportunidades em outras cidades. Franz Liszt iniciara sua carreira de pianista. Encantados com a criança prodígio, nobres húngaros lhe ofereceram uma bolsa de estudos, que permitiu a Liszt fazer estudos sérios e completos. A família mudou-se para Viena, onde o menino pôde se aperfeiçoar em piano com Czerny, e em composição com Salieri. Em 1822 apresentou-se pela primeira vez para o público vienense e levou a platéia ao delírio com seu virtuosismo. Sucesso absoluto de público e de crítica: Liszt, aos doze anos, já era um ídolo. Raiding Franz Liszt Sinfonia Fausto 21/10/1811 Anna Lager Adam Liszt 31/07/1886 Rapsodias Hungaras Peça musical, em vários movimentos, executada por uma orquestra. A sinfonia pode assumir formas e desenvolvimentos absolutamente inesperados, variando conforme o gosto do compositor. A sinfonia é uma sonata para orquestra e segue os mesmos padrões formais acima. Entretanto muitas sinfonias eram simplesmente aberturas italianas de óperas e não seguem este critério. 1600 Josquin des Prés era chamado de "Príncipe dos Compositores", pelos músicos de sua época, que admiravam sua obra naquilo que esta tinha de comovedor e o modo de como ele ressaltava o sentido das palavras no canto. Grande compositor é considerado o mais moderno dentre os de sua época. Sua produção musical compreende mais de 20 missas completas a 4, 5 e 6 vozes; 104 motetos, hinos e salmos, 74 canções. Pange Lingua Após 1505 27/08/1521 Hercules dux Ferrarie Antes de 1505 Condé-sur-I'Escaut De Beata Virgine Após 1505 Josquin des Pres Antes de 1505 Miserere Esta palavra significa "fechamento" em latim. Na parte final do organum, o compositor fazia o tenor melismático e as outras vozes eram mais ornamentadas. O cantus firmus original é completamente destruído. Os compositores, muitas vezes, substituíam uma clausula por uma outra, mesmo se a anterior fosse de um outro compositor diferente. A conseqüência da clausula é a destruição completa das melodias gregorianas. Assim os compositores procuram pensar em peças nas quais poderiam criar idéias originais. Clausula 1450 Perontin Compositro francês, a quem se atribui a criação da polifonia a quatro vozes. Pérotin foi o sucessor de Léonin e trabalhou em Notre Drame de 1180 até cerca de 1225, na função de mestre de coro. Revisou muitos organa anteriores e fez modificações nas partituras, a fim de deixá-los mais modernos. Pérotin enriqueceu estes organa, acrescentando-lhes mais vozes. Hino Canto de louvor para algum santo Compositor e poeta francês. Cônego da catedral de Reims, foi secretário de João de Luxemburgo, rei da Boêmia. Sua obra musical é considerada um dos pontos culminantes da arte do século XIV. Guillaume de Machaut é autor de poemas líricos, baladas, danças, motetos e da famosa Messe Notre Dame, a primeira missa polifônica. Guillaume de Machaut é considerado o maior músico da Ars Nova. Guilherme de Machaut Machaut 1377 Messe Notre Dame 1300 Compositor, astrônomo e matemático inglês. Foi o incentivador da Ars Nova na Inglaterra. Sua produção é principalmente religiosa: Motetos, hinos, antífonas e missas. Depois de esquecido durante séculos, foi valorizado modernamente pela sua qualidade de invenção melódica. Quam Pulchra es Veni Sancte Spirutus Dunstable John Dunstable 24/12/1453 1390 É uma palavra latina que significa "condução". Era a música que acompanhava a entrada do padre para a missa. O ritmo básico era o de marcha para acompanhar os andar das pessoas. Opcionalmente, havia introdução e poslúdio puramente instrumentais. As melodias não eram baseadas em nenhuma composição anterior, porque dependiam da forma do poema a ser musicado. Conductus Canto Gregoriano A melodia do canto gregoriano depende da forma do poema e se desenvolve numa linha quase que infinita, descendo e subindo por graus conjuntos e com raros saltos intervalares. Ela tem caráter sereno e é uniforme em suas nuances. Não havia um regente, apenas os ensaiadores ou professores de canto que regiam o grupo com o rolo da partitura, apelidado de "solfa" (uma espécie de brincadeira com os nomes das notas - e daí vem a palavra "solfejo", treino melódico-rítmico). Escrevia-se a música com bico de pena de ponta quadrada e tinta em um rolo de pergaminho, de cor bege. No século 19 esta música foi batizada, pelos monges de Solesmes (França), de "canto gregoriano", em homenagem àquele papa. Também recebeu o nome de "cantochão" ("cantus planus" em latim) no século 13, para diferenciá-lo do "canto mensurado", quando inventaram as figuras rítmicas Esta música tem as seguintes características: - é o canto oficial da Igreja Católica; - o texto é em latim; - a importância é dada ao texto e não à música (objetivo é propagar a fé e não fazer um recital); - deve ser cantado, obrigatoriamente, só por homens (mas recentes pesquisas em conventos, descobriram milhares de cânticos compostos e interpretados por mulheres); - não pode ter acompanhamento instrumental de qualquer espécie; - é prosódico (um tipo de canto falado); - melodias simples com pouca mudança de notas e uma tessitura menor que uma oitava; - monofônico (uma única linha melódica); - diatônico (escalas sem alteração cromática ou microtonal); - modal (escalas de sete sons, ligeiramente diferentes das nossas escalas); - o ritmo depende das palavras, portanto é livre de fórmulas de compasso; - não tem preocupação com a dinâmica; - o andamento, geralmente, é lento; - os compositores são anônimos, pertencentes ao clero. Aleluia Deformação da palavra jubilus - "alegria" em latim. Ornamentação na melodia da palavra. Quando nasceu, na França, a polifonia erudita consistia numa forma bastante simples de tirar efeito de um som contra outro. Mas esse jogo de "punctus contra punctus" - o contraponto - facilitou a criação de novas formas vocais, como o Motete, o Conducto e o Rondó. Era uma .música diferente que se articulava. Receberia o nome de Ars Nova. O grande teórico da Ars Nova foi o Bispo Filipe de Vitry. Entretanto muitos outros também cuidaram de dar precisão matemática às regras do canto coral, tornando já conscientes certas combinações harmônicas. Sem poder competir com as inovações da música profana, o canto católico se encerrou nas igrejas. Esse recolhimento não o prejudicou: ao contrário, foi a partir de então que ele se desenvolveu numa forma de expressão litúrgica, a Missa. Graças a ela, ganharam evidência os organistas e mestres de capela. E ganhou celebridade um compositor - Guillaume de Machaut (c. 1300-1377). Poeta da corte francesa de Carlos V, criador de cantigas e baladas profanas, Machaut escreveu a Missa da Sagração, que é considerada até hoje uma obra-prima. Contudo, o verdadeiro espírito da Ars Nova do século XIV se revela é na fusão da música erudita com a popular. Compositores também notáveis desse período foram Jacopo da Bologna, Gherardello da Firenze, Witzlav von Ruegen, Francesco Landino, Giovanni da Cascia, Jean de Grouchy, Jean de Garlande e Johannes Ciconia. Ars Nova O termo "medieval"? vem da expressão latina "medium aevum" (época intermediária) dada pelos historiadores renascentistas ao período compreendido entre o desaparecimento do Império Romano e os novos interesses pela cultura greco-romana no século 15. 400 Organum A origem mais provável desta palavra é grega e, talvez, signifique "voz". Outros optam por instrumento. Na Idade Média, entretanto, foi o nome que se deu aos primeiros trabalhos polifônicos, ou melhor, às primeiras manifestações documentadas deste tipo de textura musical. Há até pesquisadores demonstrando que era uma técnica não religiosa adotada pelos padres. Organum também recebeu o nome de diafonia ("conjunto de dois sons" em grego). Partindo do cantochão os compositores acrescentaram uma segunda voz. O cantochão, base desta música, recebeu a denominação de "vox principalis" ou "cantus firmus" ("canto firme" em latim). A segunda voz foi chamada de "vox organalis" ou "discantus" ("canto diferente" em latim). Para embelezar e reforçar a sonoridade usavam instrumentos. É um engano qualificar este período como a "Idade das Trevas": ao contrário, a sua rica produção cultural sintetizou os conhecimentos greco-romanos, germânicos, árabes, judaico-cristãos, bizantinos, etc., manifestou-se em todas as áreas artísticas (arquitetura, marcenaria, artes visuais como pintura, escultura, vitrais, iluminuras etc., literatura como canções de gesta, romances de cavalaria, baladas, fábulas etc.) e continuou a investigar os princípios da ciência e da filosofia. Os seminários e conventos mantiveram gigantescas bibliotecas. Enfim, este período, mesmo com suas guerras, epidemias, fanatismos, misticismos, etc. preservou a civilização humana na sua integridade. O campo musical nos dá uma pequena mostra da riqueza cultural do período. Assim seja em latim. Ornamentação na melodia da palavra. Amem - ANTIGA SÓ NO NOME - Ao longo dos séculos e sob a influência de novas maneiras de cantar, o Gregoriano se modificou, mas conservando o seu caráter monódico, uma vez que ele favorecia a concentração religiosa. No século XIII, certos contracantos clandestinos se infiltraram na melodia tradicional, subvertendo a liturgia que fixava os Tons da Igreja. Com reprovação, os religiosos viram também que sua música começava a denotar traços da criação musical erudita que se cultivava nos castelos e até das canções populares dos aldeões. Livre da rigidez litúrgica, esta música profana que podia reunir várias melodias no mesmo canto era uma escapada na direção da polifonia. E o povo, ajudado pelos trovadores, acabaria impondo sua fusão com o canto tradicional. Apesar de todos os progressos feitos no campo musical durante esse período, a História registrou-o com o nome de "Ars Antiqua". Na verdade, ao fim do século a música já era uma arte nova. Grande parte dos avanços da "Ars Antiqua" deve ser atribuída ao Mestre Leoninus e a seu aluno, Perotinus, que trabalhavam na Catedral de Notre-Dame, em Paris. Mas esses dois compositores, assim como outros da Idade Média, não puderam ir muito longe, tolhidos pela precariedade dos meios de escrita musical. Havia sistemas de notação, mas eram ruins. O primeiro que apareceu baseava-se no alfabeto: as sete primeiras letras representavam os sete sons da escala, começando pela nota lá. Depois, criaram-se os neumas, sinais oriundos dos acentos grave, agudo, circunflexo, e do ponto. Porém a notação neumática tinha o defeito de não indicar a altura nem a duração dos sons. Melhor que ela, era o método do monge Guido d'Arezzo (995-1050), que adotou uma pauta de quatro linhas e definiu as claves de fa e dó para registrar a altura dos sons. Além disso, d'Arezzo deu nome às notas, tirando as sílabas iniciais de um hino a São João Batista: UT queant laxis REsonare fibris MIra gestorum FAmuli tuorum SOLve polluti LAbii reatum Sancte Ioannes Para que possam ressoar as maravilhas de teus feitos com largos cantos apaga os erros dos lábios manchados Ó São João. (O UT mais tarde passou a chamar-se Dó. Mas não se sabe quem o batizou, assim como se ignora quem foi o padrinho do Si). O Mensuralismo, inventado por Walter Oddington e Franco de Colônia no século XII, também ajudou a evoluir a técnica musical. Era um sistema que permitia medir o tempo sonoro, determinando uma duração específica para cada nota (breve, semibreve, mínima, semínima, etc.). Ars Antiqua Idade Media Antifonia Alternação de coros. Leonin 1201 Léonin foi o primeiro mestre de capela do coro da catedral de Notre Dame, na França, e escreveu muitos organa (plural de organum). 1163 Palavra que vem do franês e significa palavra pequena. Moteto 1140 Villancico Música com refrão e acompanhamento instrumental de vihuela - instrumento de cordas dedilhadas e outros instrumentos, dobrando a melodia, fazendo figurações e marcando o ritmo. Passando uma temporada com a tia Clémentine, sua madrinha, em Cannes, ainda menino, recebeu ali as primeiras aulas de piano. E por volta de 1871 conheceu Madame Mauté de Fleurville, ex-aluna de Chopin, que depois de ouvir o menino ao piano, incentivou-o a seguir carreira, predispondo-se a dar-lhe aulas gratuitamente. Chopin tornou-se, para ele, um dos grandes modelos a serem seguidos em sua obra. Menos de dois anos foram suficientes para que o jovem se apresentasse ao concurso de ingresso no Conservatório de Paris, em outubro de 1872. Debussy contava dez anos ao entrar para a classe de piano de Marmontel. Mas o professor diria depois: "Ele não se interessa muito pelo piano, mas adora música". Mas os anos seguintes foram marcados pôr dissabores provocados pela incompreensão de seus professores de harmonia e acompanhamento, Durand e Bazille. O temperamento independente de Debussy não se adaptava à disciplina arbitrária, pouco flexível e ao ensino acadêmico imposto no conservatório. Alguns insucessos em concursos de piano e um primeiro prêmio em harmonia levaram-no a abandonar o projeto de vir a ser um concertista, dirigindo-se para o terreno da composição. Datam de 1876 as primeiras composições, nascidas de improvisações ao piano. O primeiro concerto inteiramente dedicado a Debussy teve lugar em Bruxelas, em 1894, durante uma exposição de quadros impressionistas e art-nouveau. O Impressionismo de Debussy residia no caráter vago de seus jogos harmônicos em que a melodia parece dissolver-se. A melodia libertou-se dos padrões tradicionais, das repetições e cadências rítmicas. Debussy não seguiu também as regras de harmonia clássica: deu importância à acordes isolados, aos timbres, pausas e contrastes entre registros. De um modo geral, sua obra pode ser dividida em música para orquestra, música de câmara e para instrumento solo, música para piano e obras cênicas. Saint-German-en-Laye Noturno Images pour Orchestre Obra para piano, de caráter tranqüilo e meditativo. Levado ao auge de seu desenvolvimento com Chopin, foi criado pelo inglês John Field (1782-1837) La Mer 1905 A Ilha de Alegre 1904 Suite Bergamasque É uma palavra de origem francesa que significa "série" ou "seqüência". Outros nomes alternativos aparecem: ordre; partita; lesson; abertura; sonata etc. É preciso ter um pouco de paciência e verificar o conteúdo destas composições, pois muitos compositores denominavam as peças de maneira confusa. A idéia de reunir, numa seqüência, danças e canções vem sendo registrada desde a Idade Média. Só que no século 17 os franceses, mestres da dança, levaram esta idéia à perfeição. Eles reuniram exemplos de nacionalidades, aspectos rítmicos, caráter e colorido diferentes. As suítes nos séculos posteriores receberam outros nomes como serenata, cassação, divertimento ou serviram para outros propósitos, como reunir uma seqüência de temas ou trechos importantes de uma ópera, balé, teatro ou filme. Suite Noite Transfigurada Cromatismo 1899 1951 Arnold Schoemberg Na apreciação das teorias e das obras de Schoenberg há muita confusão entre o atonalismo e a fase do dodecafonismo. É preciso distinguir os três períodos de sua carreira musical. Schoenberg começou como pós-wagneriano, dedicado ao extremo cromatismo de Tristão e Isolda, desenvolvendo-o em seu sexteto de cordas Noite Transfigurada e na obra coral Gurrelieder. O cromatismo extremado já não permitia a distinção das tonalidades. É o início de sua fase atonal, iniciada com peças para o piano e um quarteto de cordas. A principal obra desta fase é: Pierrot Lunaire, um ciclo de Lieder declamados. Reconhecendo o perigo do caos musical, Schoenberg elaborou um novo sistema um novo sistema de relações entre os sons, chamado música serial ou dodecafônica. Com este sistema tornou-se chefe da nova escola de Viena. Nos últimos anos de vida ele admitiu retornos ocasionais à harmonia tradicional. Viena Cromatismo baseado em Wagner 1947 Um sobrevivente de Varsovia Johann Sebastian Bach O Oratório de Natal foi composto por J.S.Bach entre 1734 e 1735, período de plena maturidade do compositor, quando residia em Leipzig, exercendo as funções de Mestre-de-Capela da Igreja de São Tomás. O Oratório é, na verdade, composto por uma série de seis cantatas para as festas da temporada do Natal, período que vai do Advento até a Epifania, incluindo também as festas de Ano Novo e Dia de Reis. Oratorio de Natal 1734 - 1735 Cantata de Natal Peça musical para ser "cantada", como o nome aponta. Originalmente era escrita para cantor e acompanhamento, mas, com o tempo, passou a ser uma obra para solistas, coro e orquestra. Cantata 1819 Prometeu Rosamunda, Princesa de Chipre Entre 1819 e 1823 Aos oito anos o pai ensinou-lhe os rudimentos do violino e pouco depois o menino já era capaz de interpretar algumas peças fáceis. Dado ao progresso de Schubert, seu pai confiou-o a orientação de um músico profissional, o mestre de capela de Liechtental, Michael Holzer, que lhe deu lições de piano, violino e canto. Aos onze anos Schubert fazia os solos de soprano no coral da igreja e as vezes tocava violino ou substituía o professor, tocando órgão. Em outubro de 1808 passou em um concurso para preecher uma das duas vagas do coro da capela imperial e ingressou no Stadkonvikt, espécie de conservatório e escola comum em regime de internato. Permaneceu nesta escola dos onze aos dezesseis anos. De 1810 a 1815, compõe grande número de obras, entre quartetos, trios ,lieder, música religiosa, esboços de uma ópera e uma cantata para o aniversário do pai. Schubert foi o primeiro grande mestre do Lied. Escreveu os seguintes ciclos: "A Bela Moleira", "Viagem de Inverno", "O Canto do Cisne".Outros importantes: "O Caminhante", "A Morte e a Donzela","O Rei dos Elfos"e centenas de outros. O canto do cisne Curtas canções para piano e voz e facilidade melódica (o novo lirismo), para melhor exprimir os sentimentos mais íntimos, compõem as características principais dos lieds (canção, em alemão). Esta forma é desenvolvida por Franz Schubert (1797-1828), Robert Schumann (1810-1856) e mais tarde por Johannes Brahms (1833-1897). Inicialmente os textos são retirados da poesia romântica alemã de Goethe (1749-1832) e Heine (1799-1856). Também são características da época das formas livres como os prelúdios, rapsódias, noturnos, estudos, improvisos etc., presentes na obra de Frederic Chopin (1810-1849) e Franz Liszt. Essas peças são geralmente para piano solo e realçam o virtuosismo instrumental, dividindo a importância do concerto entre a obra e a presença do intérprete. Tal tradição já vinha do classicismo, em que diversos compositores eram instrumentalistas virtuoses, como é Niccoló Paganini (1782-1840). Lied Viagem de Inverno 1823 A Bela Moleira O Rei dos Elfos O caminhante A morte e a donzela Missa em Mi bemol Entre 1819 e 1823 Os Irmaos Gemeos 31/01/1797 Entre 1819 e 1823 Afonso e Estrela Franz Theodor Schubert Liechtental Gênero musical de forma livre, com seu desenvolvimento deixado à critério dos compositores. Fantasia Rio de Janeiro A Prole do Bebê é uma das três suites para piano de Villa-Lobos. A primeira, a mais importante e também a mais conhecida internacionalmente pelo trabalho de divulgação feito por Arthur Rubinstein, célebre pianista virtuoso, grande amigo e admirador incondicional de Villa-Lobos. Prole do Bebe 1913 Heitor Villa-Lobos 17/11/1959 Raul Villa-Lobos Sinfonia N. 10, Sume Pater Patrium Nesta série de nove obras, Villa-Lobos, com inspiração eminentemente brasileira, adaptou-as às formas barrocas, clássicas e contrapontísticas. A Bachiana No. 1 foi composta para orquestra de violoncelos; a de no.2 para orquestra e tem como tocata final O Trenzinho do Caipira; a de no.3 para piano e orquestra; a de no.4 para solo de piano ou orquestra; a de no.5 para soprano e orquestra de 8 violoncelos, começa com a Cantilena e é a mais conhecida nacional e internacionalmente; a de no. 6 , camerística, para flauta e fagote; a de no.7 para orquestra; a de no.8 também para orquestra; a de no.9 para coro a cappella ou orquestra de cordas. 1878 Concerto para Violino Concerto Concertos para Cravo 07/05/1833 Johannes Brahms Hamburgo Em 1853 inicia uma série de recitais, acompanhando o violinista húngaro Eduard Reménye, de quem se tornou grande amigo. Este ano foi decisivo em sua carreira, onde ele pôde conhecer outros centros culturais e personalidades do meio musical: o violinista Joseph Joachim, Liszt e Schumann. Tornou-se diretor dos concertos na corte do príncipe de Lippe-Detmold, depois regente do coro de Hamburgo (1859), antes de fixar-se em Viena (1862), onde foi diretor do Singverein der Gesellschaft der Musikfreund (1872-1875). Herdeiro de Beethoven, Brahms oferece em sua obra a síntese perfeita do romantismo e do classicismo. Não desprezou o canto popular húngaro, que incorporou a uma poesia tipicamente nórdica e suntuosa. Pianista virtuose, Brahms compôs muito para o seu instrumento ( sonatas, variações, baladas, intermezzos, rapsódias, valsas, danças húngaras). 03/04/1897 1881 Concerto N.2 para piano e orquestra 1874 Concerto N.1 para Piano e Orquestra 1931 Concerto para mao esquerda Concerto Italiano Estudos Op.25 Estudo Estudos Op.10 Sonata em Si bemol menor Nicholas Chopin 17/10/1849 Em 1829 viaja à Viena, onde faz sua estréia internacional, com grande sucesso, embora tenha causado certa supresa pôr seu toque delicado. Como professor, Chopin consegue logo se firmar, dando aulas para os filhos das famílias aristocráticas e fazendo desta atividade seu principal meio de sobrevivência. Ao mesmo tempo desenvolve-se como compositor. A música de Chopin é intensamente pessoal, pela grande força espiritual, pela extrema sensibilidade, pelo amor à sua Pátria. Foi mestre nas formas musicais breves. Chopin foi menos feliz nas grandes formas tradicionais: seus dois concertos para piano e orquestra são obras da mocidad Frederic Francois Chopin 1º/03/1810 Scherzo em Do sustenido Peça de caráter ligeiro e alegre - quer dizer "brincadeira" em italiano. Geralmente é parte de um conjunto maior, como uma sonata ou sinfonia. Scherzo Valsa N.3 Zelazowo Wola Tekla Justyna Krzyzanowska Concerto para Piano e Orquestra N.2 28/07/1741 04/03/1678 Giovanni Battista Vivaldi Foi professor de violino e composição, diretor de concertos e de coro no Ospedale della Pietá entre 1703 e 1740. Durante seu trabalho como diretor dessa escola, desenvolveu um original método de escrita de concertos, onde a música instrumental obteve cores e dramaticidades semelhantes ao conseguido com a ópera. Neste período, compôs vários concertos e oratórios. Em suas freqüentes viagens, para apresentsar suas obras, acabou por compor e produzir óperas em Veneza, para onde se mudou em 1740. Por esta época, alcançou uma das mais altas posições em sua categoria na corte do imperador Charles VI, em Viena. Entretanto a popularidade de sua música entrou em rápido declínio, morrendo pobre e obscuro. Concertos de Brandemburgo Concerto Grosso Expressão italiana que significa grande concerto. O concerto grosso é um instrumental no qual solistas se contrapõem à massa orquestral, ambos apoiados pelo baixo contínuo. É elaborado em vários andamentos (influência cruzada da suíte com a abertura da ópera). Normalmente na seqüência lento-rápido-lento-rápido. Quanto a forma de cada andamento, o compositor pesquisava diversos procedimentos. O andamento lento inicial é uma marcha em estilo de abertura francesa, com notas pontuadas e de caráter solene, enquanto que, no intermediário, pode ser em forma de ária da capo, igual às melodias líricas das óperas ou em forma binária de dança ou, ainda, em estilo fugato. As opções eram variadas para os andamentos rápidos: estilizações de danças, tema e variação; ritornellho, rondó, etc. Todos os andamentos tem a mesma tonalidade. Em muitos casos de tonalidade menor, o último movimento termina na relativa marior ou na homônima maior. 1712-1713 A extravagancia 1712 Estro armonico Veneza Antonio Vivaldi Camilia Calicchio Juditha Triumphans 1716 As quatro estacoes 1720 A palavra concerto é de origem controvertida, sendo que muitos musicólogos e historiadores defendem a tese de que a origem é de "consertare" (juntar ou arrumar do latim) e não "concertare" (rivalizar do latim). Assim, concerto seria juntar, num todo, instrumentos e vozes. Assim, no século 16, dava-se o nome de concerto, indiferentemente, a motetos, cantatas e peças instrumentais diversas. 1936 Concerto para Violino 1930-1945 Bachianas Brasileiras Dona Noemia Heitor viajou muito pelo interior do Brasil, fugindo de casa e de sua mãe, que queria que ele estudasse medicina. Nestas viagens, coletou vasto material folclórico que viria a ser uma rica fonte para o amadurecimento do seu estilo nacionalista, apesar das suas primeiras composições serem influenciadas por Richard Wagner, Giaccomo Puccini e C. Franck, compositores da virada do século, do alto romantismo e do impressionismo francês. Atacado violentamente pela crítica da época, viaja para Paris (1923), juntando-se aos compositores vanguardistas Maurice Ravel, Manuel de Falla, Varèse, Florent e Schmitt, entre outros. Durante a permanência em Paris, compôs a extraordinária série dos Choros. Sua estada na França mostra aos europeus sofisticados e intrigados, a arte selvagem, irracional e sensual deste novo compositor. A audição dos Choros, em Paris, revela a nova forma de composição musical, que agrupa variados gêneros musicais brasileiros. No Brasil, Villa-Lobos fez um trabalho de alta importância para a educação, durante a Revolução de 30, relativamente ao desenvolvimento do canto orfeônico. Nesta ocasião, lança o Guia Prático, extraordinária coleção de temas populares. Em 1932, é nomeado superintendente da Educação Musical no Estado do Rio. Faz um notável trabalho pedagógico sem par e, em 1942, funda o seu Conservatório Nacional de Canto Orfeônico com a criação de inúmeros corais populares nas escolas. Em 1945, fundou a Academia Brasileira de Música, cujos primeiros 50 membros ele mesmo designou. 05/03/1887 Fantasia pianística , obra violenta e inspirada, tem o objetivo de retratar a personalidade musical de seu amigo e admirador Arthur Rubinstein, pianista polonês naturalizado americano que gozou de fama internacional. 1921-1926 Rudepoema 1870 Fantasia-Abertura Romeu e Julieta Fantasia em Fa menor 19/11/1828 Franz Peter Schubert Elizabeth Vietz A Harpa Encantada Entre 1819 e 1823 28/07/1750 Aos 18 anos foi nomeado organista da nova igreja de Arnstadt. Bach, nesta época um jovem de aparência refinada e precocemente responsável, tinha uma personalidade forte e independente e insistia em manter uma mulher no coro - sua prima Maria Barbara - contrariando os regulamentos da Igreja e irritando a congregação. Em vista disto o músico se viu obrigado a pedir demissão em 1707. Neste mesmo ano foi nomeado organista da igreja de São Brás na cidade de Mülhausen e casou-se com Maria Barbara. No ano seguinte foi aceito como organista e membro da orquestra da corte do Duque de Weimar. Nesta cidade Bach encontrou a atmosfera que desejara: não havia culto sem música e o órgão era instrumento indispensável. Para lá de excepcional organista, Bach era um grande cravista. Graças ao testemunho de Anna Magdalena, sabemos que em sua casa se tocavam habitualmente instrumentos de teclado, que seus filhos brincavam entre as pernas do clavicórdio e do cravo e que os pedais eram objeto de suas investigações constantes. Quando Friedmann e Emanuel cresceram,costumavam tocar com o pai os seus concertos a três cravos. Por ocasião da morte de Bach havia em sua casa cinco cravos e clavicórdios. Além disso Bach possuia um clavicórdio no quarto e, de noite, se levantava freqüentemente para tocar. Não é estranho que se encontre composições para tecla ao longo de sua vida. A Paixão segundo São João de Bach leva à perfeição o estilo concertato herdado de Schütz; como exemplos podemos citar as árias n°s 30 e 32. O recitativo secco com órgão, uma das inovações de Schütz, aparece também em Bach, como o recitativo n° 31. Em síntese, Schütz é a nascente das Paixões de Bach e este último é o compositor na qual o gênero encontrará a definitiva síntese das tradições musicais alemãs. Sua composição é um marco para uma das fases mais importantes da produção de Bach, que se inicia em 1723, quando o compositor, com a fama de ser o maior organista de sua geração, assume o cargo de Kantor da igreja de São Tomás de Leipzig. Até sua morte, em 1750, realiza grande parte da produção religiosa, principalmente as cantatas e oratórios. Bach teria outras Paixões, mas apenas duas chegaram íntegras ao nosso tempo: a de São João e a de São Mateus, chamada por sua própria família como a "grande paixão"?. Como a grande parte das Paixões, a segundo São João está escrita na forma de oratório, ou seja, é um texto não-litúrgico, onde a encenação é substituída por um narrador, que no caso é o Evangelista. Nos esquemas próprios do oratório, ao narrador (Evangelista) cabem somente os números recitados musicalmente (recitativo) e aos personagens, os recitativos e árias. Os coros têm várias funções: a semântica, como representar a magnificência da glória de Deus – assim é o primeiro número (Herr, unser Herrscher) -; como personagem, principalmente na figura do povo – as turbas, no julgamento de Cristo -; e como elemento para comentários – como o desconsolado lamento da humanidade – ou orações, em forma de corais. Paixao A Paixao segundo Sao Mateus 1819 Desenvolvido a partir de modelos católicos medievais, a paixão é uma espécie de oratório específico, baseado nos Evangelhos. Um destaque é a presença do narrador, que é o evangelista eleito pelo compositor, conduzindo a história. 1723 Paixao segundo São Joao 21/03/1685 Elsenach 1750 Senhor eis-me diante do Teu Trono Coral Música para coro. 1900-1911 Gurrelieder Atonalismo Erwartung 1909 1874 1923 Suite para Piano Op.25 25/03/1918 1902 O Martirio de Sao Sebastiao Claude Debussy Mascaras 1905 22/08/1862 Manuel Achille Debussy Victorine Josephine Sophie Manoury 1917 Sonata para Violino e Piano Nessa época, trabalhando com uma rapidez vertiginosa, escreveu ainda, em quatro dias, a primeira Sonata para Violino e Piano; em seis dias a segunda. 1850 Sonata para Violino e Piano Robert Schumann Friedrich August Schumann Sinfonia Opus 26 - Renana 1850 O despertar de seu talento musical ocorreu cedo. Aos sete anos seu pai providenciou para que o menino estudasse com Johann Kuntzsch, autodidata que lecionava no liceu e tocava órgão na igreja de Santa Maria. Não era um grande músico, mas serviu para estimular o futuro compositor. Meses mais tarde, Robert já escrevia pequenas danças. Para desenvolver sua técnica pianística, Schumann teve a infeliz idéia de imobilizar o dedo médio da mão direita com o uso de uma ligadura, a fim de tornar independente o dedo anular. Foi um desastre: na primavera de 1832, o dedo imobilizado se tornou paralítico para sempre. De médico em médico, de charlatão em charlatão, o compositor, dois anos depois, ainda procurava solucionar o problema. De nada adiantaram seus esforços. A história da música, no entanto, saiu ganhando: morrendo o intérprete, só lhe restava a via da criação. 08/06/1810 Carnaval 1834 Johanna Christina Schumann 29/07/1856 Zwickau Derivada do canzona da sonar e da sonata renascentista, a trio-sonata barroca, na realidade, era tocada por quatro instrumentistas: dois instrumentos solistas e o baixo contínuo, formado por um instrumento melódico (violoncelo, viola de gamba, fagote, entre outros) e um isntrumento que pudesse dar acordes (cravo, clavicórdio, órgão, alaúde, etc.). Tinha vários andamentos, igual ao concerto ou à suíte. Trio Sonata Composta em uma semana. 1850 Trio para Piano Opus 110 Recebeu este nome porque era usada nas peças chamadas sonatas. Há vários nomes alternativos: "sonata forma", forma "allegro-de-sonata" (neste caso é um equívoco, pois outros andamentos eram compostos desta maneira); forma "tripartite-de-sonata", entre outros nomes. Exercícios para teclado também eram chamados de sonatas Surgiu dos desdobramentos de experiências levadas a cabo por Pergolesi e Carl Philip Emannuel Bach e os compositores vienenses a fixaram assim: - EXPOSIÇÃO: o primeiro tema é apresentado na tonalidade principal e depois vem um segundo na tonalidade secundária, subordinada à primeira tonalidade; - DESENVOLVIMENTO: os temas são modulados (mudanças de tonalidades) e trabalhados de várias maneiras (variação melódica e mudança no ritmo entre outras coisas); - REEXPOSIÇÃO: os temas voltam, mas o segundo tema tem uma pequena modificação, voltando na tonalidade principal, o que causa uma surpresa, e ao mesmo tempo dá o equilíbrio musical necessário. Sonata op.13 Patetica 1920-1922 Sonata para violino e violoncelo Sonata op.27 N.2 (Ao Luar) Sonata Diz a história que o Papa Marcelo pediu aos seus compositores que reformassem o seu estilo, abandonando os floreios musicais e as exibições auto-indulgentes, para se concentrar na expressão do significado das palavras. Esta missa foi a resposta de Palestrina até hoje bastante conhecida, usada regularmente na televisão e em trilhas cinematográficas para acompanhar imagens das igrejas do Renascimento. 1567 Missa Papae Marcelli Missa Quarta 1570 1514 Palestrina Giovani Pierluigi da Palestrina 02/02/1594 Palestrina é considerado o maior representante da música polifônica da Renascença. Foi duas vezes mestre de coro da Capela Júlia, em São Pedro do Vaticano (1551-55 e 1577-94). Após ter sido mestre-de-capela de São João Latrão (1555-58) e Santa Maria Maggiore (1561-67), foi diretor do ensino musical do seminário romano. Conta-se que Palestrina teria salvo a música sacra polifônica quando os bispos e prelados, reunidos no Concílio de Tentro, pretenderam expulsá-la das igrejas, nas quais seria permitido apenas o canto gregoriano. Palestrina, então, apresentou-lhes um novo estilo, digno e elevado e sem sutilezas contrapontísticas capazes de atrapalhar o bom entendimento das palavras do texto litúrgico. Este estilo de música contrapontística mais serena passou a ser conhecido como "estilo Palestrina". A produção musical de Palestrina é considerável: 104 missas, de quatro a oito vozes, escritas com temas gregorianos ou populares; 375 motetos, 68 ofertórios, 65 hinos, 35 magnificats, cinco lamentações, 56 madrigais espirituais e nove ricercari, para órgão. No gênero da música profana, deixou três coletâneas de madrigais publicadas em 1555, 1581 e 1586. Os músicos eram empregados das igrejas, das cortes ou das famílias ricas. A maior parte eram padres compositores. Tinham contratos rigorosos e viviam sob ameaça constante de perda de emprego, sem falar nas rivalidades com outros músicos e empregados, agravadas ainda mais com as disputas e confusões políticas e religisas. Peça para ser "tocada" por instrumentos de teclado, em oposição à um dos sentidos da "sonata" e da "cantata". Peça virtuosística para teclado Toccata 17/02/1653 08/01/1713 Aos 36 anos, e após a morte de Cristina da Suécia, Corelli passou a trabalhar para o Cardeal Ottoboni, seu maior protetor e grande amigo. Homem liberal e apaixonado pelas artes, Ottoboni possibilitou livre trânsito a seu protegido, fornecendo-lhe o tempo e as condições necessárias para que ele elaborasse suas obras com absoluta tranqüilidade. Sua fama se expandia e estudantes de música vinham de longe para aprender com ele. Corelli já se firmara como um dos nomes importantes da música instrumental. Corelli morreu durante a noite de 8 de janeiro de 1713. Estava só. Desolado, o Cardeal Ottoboni mandou embalsamá-lo e colocá-lo em um triplo ataúde, feito de chumbo, de cipreste e de castanheiro, e enterrou-o no panteão de Roma, reservado apenas aos pintores, arquitetos e escultores, membros da Artística Congregazione dei Virtuosi al Pantheon. A Corelli pertence, entre outros, o mérito de ter favorecido a expansão do concerto grosso e contribuído de modo decisivo para o enobrecimento do violino. Derivado da viola, o violino surgiu em meados do século XIV, sempre relegado às festas populares e à idéia de vagabundagem e ao gosto duvidoso. Timidamente introduzido nos salões do início do século XVII, recebeu depois, com Corelli, brilhante tratamento técnico e conquistou definitivamente a corte. Fusignano Arcangelo Corelli Por comodidade, adotamos esta denominação para a Música no período compreendido entre 1450 e 1600, mas, nela mesma, não aconteceu uma transformação profunda, igual à ocorrida em outras áreas do conhecimento humano (comparemos, como exemplo, com a Literatura, a Geografia ou a Física). Pelo contrário, houve somente um desenvolvimento de algumas técnicas explicadas adiante. Canção estrófica de tema amoroso com acompanhamento instrumental em uníssono ou ornamentado. Frotola 1450 Il combattimento de Tancredi 1624 1616 Tirsi e Clori 1608 L'Arianna 1607 Orfeu 1642 L'incorazione di Poppea Monteverdi foi regente do coro da basilica de São Marcos, em Veneza. No entanto, Monteverdi foi um antitradicionalista. Ao inves de continuar com as tradições da música polifonica, tornou-se um inovador, empregando acompanhamentos instrumentais, dissonâncias e cromatismos. De 1591 até 1612, esteve a serviço da corte de Mântua como violinista, cantor e depois mestre de câmara e de capela. Em 1613 foi nomeado mestre-de-capela em São Marcos, Veneza, cidade onde passou a morar. Viúvo e tendo perdido seus dois filhos devido à peste, ordenou-se em 1632. Compôs para a catedral de São Marcos e para as festas da cidade. Foi também um professor famoso e teve numerosos alunos: G. B. Rovetta, Schütz, Cavalli entre outros. O Orfeo de Monteverdi é considerada a primeira grande ópera da História da Música. Uma das primeiras orquestras que conhecemos é a que Monteverdi formou para a o Orfeo e compunha-se de uns 40 instrumentos, amplamente variados.Monteverdi anexou à partitura a seguinte lista dos instrumentos que ele queria para a sua ópera: Dois cravos Duas violas contrabaixo Grupo de dez cordas ( violinos, violas e violoncelos). Uma harpa dupla Dois violinos pequenos Dois alaúdes baixo Dois órgãos pequenos com tubos de madeira Três violas baixo Quatro trombones Um órgão do tipo regal Duas cornetas Uma flauta doce pequena Um clarino (trompete agudo) e três trompetes "brandos" Na época de Monteverdi não havia um padrão estabelecido quanto à combinação de instrumentos na formação das orquestras. Monteverdi foi o último dos grandes compositores polifonistas, mas os seus últimos madrigais tendem para a música dramática do período Barroco. 15/05/1567 Claudio Monteverdi 29/11/1643 Il ballo delle ingrate 1608 1641 Il ritorno d'Ulisses in patria Clorinda 1624 Cremona Renascença Esta sinfonia tem 4 movimentos: Allegro con brio Andante con moto Allegro Allegro-presto (finale) Embora Beethoven tenha traçado leves esboços desta sinfonia entre os anos de 1795 e 1803, a peça somente começou a ser escrita a partir de 1805 e foi terminada em 1808. Sua estréia, deu-se num programa onde foi apresentada junto à abertura Leonore III e a Sexta Sinfonia (a Pastoral), em 22 de dezembro de 1808, no Theater An Der Wien. A partitura, porém, somente apareceria em março de 1826, com dedicatória dupla: À Sua Alteza Sereníssima Monsenhor o Príncipe reinante de Lobkowitz, duque de Raudnitz e À Sua Excelência o Senhor conde de Razumovsky. Hoje, sem dúvida, é a mais popular das sinfonias de Beethoven, talvez em função de sua utilização pela mídia e da força temática dos primeiros acordes do movimento inicial, extrato da obra constante em programas de concertos populares por todo o mundo. Contudo, também é indubitável sua força encantadora, que deixara Goethe completamente apaixonado: É imensa, é completamente louca! Tem-se até medo que a casa desabe!. Também fascinara o compositor Berlioz, na época crítico da Gazeta Musical: O auditório, num momento de vertigem, abafou a orquestra com seus gritos... Um espasmo nervoso agitou toda a sala. 1805 - 1808 Sinfonia N.5 Sinfonia N.3 Heroica Sexta Sinfonia (Patetica) 1893 Sinfonia Septeto op.20 Quarteto para cordas op.18 Sinfonia N.9 (Coral) 17/12/1770 Ludwig Van Beethoven Johann Van Beethoven Através de uma sinopse mais detalhada do argumento de Salvatore Vigano, encontrada em sua biografia, escrita por Carlo Ritorni, podemos perceber que, no princípio da peça, "perseguido pela violenta fúria dos céus, o que é pretexto para um prelúdio musical barulhento, Prometeu aparece correndo através dos bosques na direção de suas estátuas de barro." O prelúdio, no entanto, não é ainda a abertura, mas uma introdução que conduz a ela sem interrupção; além disso, os quatro últimos compassos da abertura, na forma habitual, lembram o final de um concerto. As Criaturas de Prometeu inicia-se por um breve adagio, em acordes bruscos, cuja tonalidade, em si bemol, nos sugere uma mudança para a subdominante, antes da tônica, em dó maior, ter sido apresentada. Em seguida, surge o allegro, que começa pelos primeiros violinos, acompanhados pelas demais cordas. Este tema principal é um motto perpetuo que ocorre sem parar em colcheias. O segundo tema é trazido pelos metais, com passagens vigorosas. Por fim, ouve-se novamente o tema principal pelos violinos, seguindo-se outros temas que conduzem à empolgante coda. As criaturas de Prometeu, abertura em Do Maior - Op. 43 1801 Maria Madalena Keverich Bonn 26/03/1827 Na primavera de 1787 viaja para Viena pôr conta de seu protetor, o conde Waldstein, para conhecer Mozart; com a esperança de poder estudar com ele. Mas Mozart está passando pôr uma fase difícil, acaba de perder o pai e estava sobrecarregado de trabalho. Pôr estas razões não pôde tomar o jovem renano como aluno. Beethoven será sempre um improvisador terrível, com uma técnica pianística diabólica. Czerny conta como "este jovem sério, muito feio, de caráter violento" se converteu no campeão de todos os torneios de improvisação realizados em Viena. Ao conhecer os primeiros trabalhos de Beethoven, Haydn aceita-o como aluno em Viena. Beethoven parte alegremente para esta cidade, onde iria viver até sua morte. A relação com Haydn não durou muito. Haydn era uma criatura calma demais e distraída, pouco inclinada a aceitar o temperamento violento e apaixonado do jovem de 22 anos. Reconhece-lhe o gênio, mas não tardou a se aborrecer com suas inúteis funções docentes. O mais duradouro mestre de Beethoven foi Antonio Salieri, com quem estudou técnica de composição vocal pôr oito anos. A sinfonia tem 5 movimentos: Allegro ma non troppo (Despertar de alegres sentimentos ao chegar ao campo) Andante molto mosso (Cena no córrego ) Allegro (Divertimento dos camponeses ) Allegro (Trovoada - Tempestade ) Allegretto (Canção dos pastores-sentimentos de alegria e gratidão após a tempestade ) A Sexta Sinfonia seguiu-se rapidamente à Quinta, pois Beethoven vinha trabalhando simultaneamente sobre as duas partituras, não obstante fossem tão distintas. Assim, apesar de terem sido encontrados rascunhos e apontamentos anteriores, como o tema em 2/4 composto para o trio do terceiro movimento, datado de 1803, a Sexta Sinfonia somente foi terminada no final do verão do ano de 1808 e estreada a 22 de dezembro do mesmo ano, no Theater an der Wien, em Viena, juntamente com a Quinta Sinfonia, sendo ambas dedicadas a Lobkowitz e Razumovsky. O retorno à natureza está na superfície dessa obra intitulada na partitura autógrafa de "Recordações da Vida no Campo: mais uma expressão de sentimento do que um quadro sonoro", e que traz ainda os subtítulos, que vimos acima, para seus cinco movimentos, aliás uma novidade para a época. Sinfonia N.6 Pastoral 1803 - 1808 Sinfonia de Programa A "sinfonia de programa" é um tipo de obra na qual o compositor tem a intenção de mostrar uma história através dos sons. O plano formal é o mesmo da sinfonia comum, mas modificando-a para este novo propósito. Exemplo é a "Pastoral" (1808) de Beethoven, onde cada andamento tem uma ilustração musical, mais ou menos realista, de rios, pássaros e trovões. Mais dramática é a "Sinfonia Fantástica" (1830) de Berlioz. Ele construiu a música com um tema recorrente e suas transformações, que simbolizam os diversos momentos de um enredo de amor trágico. O compositor fez questão de divulgar antes a história ao público para que este compreendesse a música. Fidelio Missa Solemnis Missa Rohrau 31/03/1732 31/05/1809 Franz Joseph Haydn Maria Koller Oratorio Barroco (do italiano aria, que significa "ar") - É uma canção onde a personagem revela sua personalidade, conta seus propósitos, declara seus pensamentos e expressa os seus sentimentos mais íntimos. Existem vários modelos formais de árias, sendo que o modelo mais importante é a aria-da-capo ("ária da cabeça" ou "ária do começo" em italiano), na qual a primeira parte é repetida com ornamentações. Derivados da ária, surgem o arioso (ária curta e melodiosa) e a arietta ("pequena ária"). Entre uma estrofe ou outra havia o ritornello ("retorno"), um tema musical instrumental. Aria Prologo Muito comum nas óperas do século 17, normalmente com dois ou três personagens introduzindo ou resumindo o enredo, agradecendo a presença do público ou fazendo um elogio ao mecenas, patrocinador do espetáculo. Caiu em desuso com o tempo. A palavra significa Pequeno concerto, do italiano. Onde solistas, geralmente compostos de dois instrumentistas agudos e um grave, fazem a melodia e exibem virtuosidade. Concertino Recitativo seco Número musical entre o canto e a fala, acompanhado apenas pelo cravo contínuo (podendo ser um diálogo). Antecede uma canção ou um prólogo. 1600 Invencao Peça em estilo imitativo, para estudo de composição. A vida dos compositores era a mesma de um criado comum dentro de uma corte, castelo, palácio ou igreja. Raras eram as revoltas ou as reivindicações. Pelo contrário, a obtenção de um cargo era considerada uma benevolência e, depois de conquistado, havia uma briga para mantê-lo e, se possível, usava-se da intriga para liquidar outros concorrentes. Os músicos tinham contratos rigorosos com os nobres ou com as igrejas. Somente em algumas cidades, que possuíam casas de espetáculos comerciais rentáveis, os músicos se tornavam independentes. Não havia escolas de música, excluindo-se as mantidas pela igreja. Muitos estudavam em corais com "mestres de capela", em conjuntos instrumentais com o "mestre da música" do castelo ou canto lírico com o maestro da ópera ("professor" em italiano). O normal era aprender com o pai ou com um parente músico. Os nobres contratavam músicos para seu aprendizado particular, de sua esposa e de seus filhos. De vez em quando, um compositor arranjava algum discípulo em especial, mas somente quando lhe convinha perpetuar seu estilo. Raros tinham a preocupação em entrar para a história. Os compositores queriam algo mais imediato e substancioso: dinheiro e altos cargos. E, se possível, no centro político mais poderoso. Havia grandes doses de oportunismo, adulações, golpes publicitários e brigas entre os músicos. A execução de uma obra tinha um caráter prático. Eram encomendadas para serem tocadas em jantares, festas, desfiles, cerimônias políticas e religiosas, banhos, cura de insônia etc. Tocava-se a música, aplaudia-se, se ainda houvesse um mínimo de atenção, e, depois de passada a ocasião que propiciou sua feitura ou se a tendência saísse de moda, a música iria para o armário ou baú do compositor para possível reciclagem, ou era abandonada em qualquer depósito do palácio ou da igreja, ou era atirada ao lixo. Por isto é que esta produção foi desaparecendo, mesmo sendo tão grande a obra destes compositores. Só as óperas eram repetidas várias vezes por causa da temporada nos teatros... isto se ainda fizesse sucesso. Caso contrário, era retirada de cartaz imediatamente e passava-se para outro espetáculo. As óperas encomendadas pelos nobres - para uma festa, por exemplo - eram encenadas nos castelos e raramente ultrapassavam uma récita, sendo depois esquecidas. Temos de lembrar que muitas destas óperas obtiveram estrondosos sucessos na sua época e, hoje, nem vale a pena dar uma ouvida. E os compositores não ficavam se lamentando, pois tinham plena consciência do risco e logo partiam para uma nova composição. Os luthiers ("fabricante de alaúde" do francês - depois tomou o significado fabricante de instrumentos, em geral) encomendavam obras especiais para divulgação do seu material e freqüentemente contratavam um compositor para acompanhar o desenvolvimento acústico do instrumento. A imprensa musical se desenvolveu bastante quando os compositores definiram a grafia musical. Editoras surgiram na Europa inteira e encomendavam tanto composições, quanto tratados teóricos. Os nobres patrocinavam alguma edição de seu criado-músico. Vários compositores, quando chegavam na velhice, pagavam do próprio bolso edições de obras que consideravam importantes. Traduzido como Baixo-freqüente, é um estilo com várias opções. Para produzir os acordes podia-se utilizar o cravo, o clavicembalo, órgão, alaúde ou harpa. Para reforçar as notas melodicamente: violoncelo, contra-baixo, viola da gamba, fagote, trombone, etc. Basso-continuo Concerto Solo É derivado do concerto-grosso, mas com somente um solista e em três andamentos, à maneira da abertura italiana: rápido-lento-rápido. As formas de cada andamento normalmente são as seguintes: o primeiro andamento em forma de imitação ou ritornello, o segundo andamento em forma de ária e o terceiro andamento em forma de ritornello, dança ou rondó.Os compositores da segunda metade do século 18 abandonaram o concerto grosso e se dedicaram ao concerto solo, principalmente aqueles que eram hábeis instrumentistas. O concerto era sempre em três andamentos. No primeiro, de velocidade entre a moderada e a rápida, os compositores procuraram fundir a forma-sonata com a técnica do executante e chegaram ao seguinte esquema: SEÇÃO EPISÓDIOS A EXPOSIÇÃO dos temas pela orquestra e depois pelo solista B DESENVOLVIMENTO, onde solista e orquestra trocam idéias A"? REEXPOSIÇÃO dos temas pelo solista e pela orquestra C CADENZA: parte em que o solista mostra sua técnica D CODA: a orquestra finaliza a composição A cadenza ("cadência" ou "caída" - no caso musical "cair para o tom" - em italiano) é um trecho para a exibição do solista, sem acompanhamento da orquestra. Não era escrita porque era para o solista improvisar livremente sobre os temas (isto acarretava sérias brigas com os compositores). Quando o solista iria parar de improvisar, avisava com um trinado. Outras cadenzas, escritas ou não, com ou sem acompanhamento orquestral, pontuavam todo o andamento. As relações tonais entre os temas e as seções seguiam o esquema geral da forma-sonata. Para o segundo andamento, geralmente lento, os compositores procuraram fundir o lirismo e a técnica. Normalmente em forma-canção, forma-romance e tema-e-variações. Algumas vezes encontramos a forma-recitativo (uma melodia com intervenções orquestrais dramáticas). Cadenzas escritas ou não, com ou sem acompanhamento da orquestra, pontuavam o andamento. No terceiro andamento, geralmente na forma-rondó, eles fundiam a rapidez com a técnica. Também as cadenzas poderiam ser escritas ou não, com acompanhamento ou não da orquestra. Stretto O stretto ("estreito" em italiano) é a parte onde o tema vai gradualmente retomando à sua feição original e à tonalidade principal. Episodio No episódio o compositor imprime uma série de mudanças ao tema: inverte os intervalos, faz movimentos retrógrados, retroinverte o tema, aumenta ou diminui as durações, faz jogos entre as vozes; fragmenta o tema entre as vozes; modula; coloca um acompanhamento acórdico; usa uma nota ou várias como pedal e outros processos composicionais. Uma das seções de uma ópera ou balé. Ato Preludio Peça curta para demonstrar a afinação do instrumento e a tonalidade da música. Do mesmo jeito do recitativo seco, só que acompanhado pela orquestra. Recitativo acompanhado 1750 Fuga Composição musical cujas diferentes partes se sucedem, como se uma estivesse perseguindo a outra. A fuga está relacionada ao contraponto: cada uma de suas partes parece correr atrás da outra, combinando as linhas melódicas umas com as outras. Ao se apresentarem em registros diferentes, indo em direção ao grave ou ao agudo e modificando-se tonal e ritmicamente, as vozes dão ao ouvinte a percepção de que estão se distanciando uma das outras ou, em num termo mais vulgar, parecem fugir... daí o nome de fuga para este tipo de composição (denominação que já existia no final da Idade Média para pequenas peças nas quais se usava o recurso da imitação). A palavra barroco vem da língua portuguesa e significa "pérola irregular". Foi adotada internacionalmente para caracterizar um estilo sutil, ornamentado e pomposo nas Artes Plásticas, na Arquitetura e na Literatura dos séculos 16 a 17. Na música, começa em fins do século 16 e vai até meados do século 18. Na época era um termo pejorativo e tinha a conotação de grotesco. Os historiadores da Arte, a partir do século 19, recuperaram-no com um significado mais conceituado. Quando há dois ou mais cantores num mesmo trecho musical. Conjunto Intermezzo Trecho instrumental, de menor importância, tocado entre os atos de uma ópera ou entre as partes de um drama. 05/12/1791 A Clemencia de Tito 1791 Desde a primeira infância, Mozart habituara-se aos exercícios de violino do pai e os estudos de Nannel ao cravo. Mostrando interesse pelo cravo, começou a receber aulas do instrumento. Mas preferia tocar músicas que inventava - o teclado era um brinquedo divertido. Sua primeira obra (Minueto em sol maior K.1) foi escrita aos cinco anos. Como menino prodígio, Mozart aos oito anos era capaz de: ler qualquer partitura à primeira vista, improvisar sobre temas propostos, tocar com o teclado coberto pôr um tecido, tocar razoavelmente bem todos os instrumentos da orquestra, sendo virtuose em piano e violino; ao ouvir uma música, memorizá-la e escrevê-la e; além de outras proezas, compor. Em 1786 apresentou sua ópera As Bodas de Fígaro , provocando reações que prenunciavam novos e mais difíceis momentos para Mozart. A elite, acostumada a se ver retratada em protagonistas que evidenciavam sua soberania, melindrou-se com o texto da ópera - onde nobres apareciam como anti-heróis e tinham suas ações frustradas pôr "inferiores: o criado Cherubino e o barbeiro Fígaro. Isso não agradou ao público, acostumado a óperas tradicionais. Pouco a pouco, Mozart seria envolvido pela indiferença e durante os três anos seguintes, não receberia nenhuma encomenda em Viena. Enquanto isso, no resto da Europa , suas óperas eram encenadas com sucesso, rendendo consideráveis somas; mas nenhuma parcela deste dinheiro chegava às suas mãos. Em setembro dirige a primeira apresentação da ópera A Flauta Mágica e consegue sucesso inesperado. Pouco a pouco um público mais refinado do que o habitual começa a fluir no Freihaus Theater, no subúrbio de Viena. Embora sua saúde decline rapidamente devido à nefrite (e, segundo alguns, agravada pela sífilis) Mozart comparece a todas as apresentações. Don Giovanni Em fevereiro de 1787, Mozart recebia por parte do Sr. Bondini, o diretor do Teatro de Praga, a incumbência de compor uma nova ópera para a temporada que se iniciaria. Sem demora, solicitou ao amigo Lorenzo da Ponte que lhe escrevesse o libreto italiano. O compositor optou por uma abertura tão contrastante quanto seus persongens; nela opõem-se os movimentos Andante e Molto Alegro, bem como as tonalidades maiores e menores. Acordes em ré menor, sombrios e opressores, o ritmo lancinante das intervenções do quarteto de cordas, as notas sustentadas dos sopros, o rufar dos tímpanos e as síncopes dos primeiros violinos, enfim, são suficientes para que Mozart vá muito além de uma situação dramática. Composta em apenas uma madrugada, alguns dias antes da apresentação - graças aos copos de ponche e à conversa de Constanze -, a Abertura apresenta os dois personagens, Don Juan e o Commendatore, e, mais importante, estabelece duas potências, que vão defrontar-se por intermédio deles: A morte e a força vital de que é animado o herói. 1787 As Bodas de Fígaro, com libreto de Lorenzo da Ponte, foi criada por Wolfgang Amadeus Mozart a partir de uma comédia escrita em 1784 por Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, o mesmo autor de "O Barbeiro de Sevilha", escrita em 1775, que Rossini transformou em ópera depois e "A mãe culpada", escrita em 1792. Toda a ação de "As Bodas de Fígaro" começa porque o Conde demonstra ter intenções de restabelecer o droit du Seigneur, tradição medieval que garantia ao proprietário da casa o direito de usufruir da primeira noite das empregadas que se casavam. Fígaro, irritado, dispõe-se a fazer de tudo para impedir que isso aconteça. A trama central é o ponto de partida para o autor trazer à tona numerosos incidentes e relações pessoais mal explicadas, revelando hábitos e comportamentos condenáveis da sociedade monárquica. A condessa mostra-se infeliz e saudosa dos tempos que em que o marido dedicava-lhe atenção e não andava à caça de empregadas. O Conde, no transcorrer da história, é levado a acreditar que sua esposa o trai, com um jovem e afoito pajem da casa. A governanta Marcelina, inicialmente interessada por Fígaro, descobre mais tarde que é a mãe dele, justamente com Dr. Bartolo, o homem que durante toda a trama o odiava. A confusão é tanta que todos imaginam-se traídos e agem dispostos a se vingar da suposta traição. No final, o casamento de Fígaro se realiza, o Conde de Almaviva não tem a primeira noite com Suzana e a verdade se restabelece. As Bodas de Figaro 1786 Anna Maria Pertl Wolfgang Amadeus Mozart 27/01/1756 1778 Idomeneo Ato 1 Idomeneu, rei de Creta , lutou contra Tróia e há muito está ausente de sua terra natal. Entre os troianos feitos prisioneiros está Ilia, filha do rei de Tróia, que se apaixona por Idamante, filho de Idomeneu. Na ária"? Padre, germani, addio"?, Ilia revela que seu amor por Idamante é muito maior que seu ódio pelos conquistadores de sua pátria, o que é plenamente correspondido por este, mas ele não sabe. A seguir, para celebrar a volta de seu pai, Idomeneo liberta todos os prisioneiros troianos. Um coro de júbilo antecipa a entrada do abade, que anuncia o naufrágio do navio de Idomeneu. Electra, princesa de Creta, que também é apaixonada por Idamante vê neste acontecimento o fim dos obstáculos às bodas de Ilia e Idamante. Sua ária revela uma fúria amorosa poucas vezes expressa numa ópera. Ao fim de um coro de orações, Idomeneu entra seguido por seu séquito e numa ária revela que para ser salvo da tempestade, prometeu a Netuno que sacrificaria a primeira pessoa que visse ao chegar. Qual não é sua surpresa ao constatar que esta pessoa é seu filho Idamante. Transtornado manda que este se retire de sua presença, Idamante lamenta o estado de espírito de seu pai na ária "Il padre adorato ritrovo e lo perdo"?. O ato termina com uma ciaccona coral em honra de Netuno. Ato 2 O rei confia seu segredo ao conselheiro Arbace, que recomenda seja Idamante levado para terras distantes. Idomeneu compeende agora que sua promesa significará sofrimento também para Ilia, mas encara a tragédia com coragem na grande ária "Fuor del mar ho un mar in seno ". Uma linda ária lírica de Electra, agora uma mulher feliz com a perspectiva do amor realizado, conduz a uma marcha e à famosa barcarola coral da cena do embarque "Placido è il mar, andiamo"?. Idamante e Electra se despedem de Idomeneu no maravilhoso trio "Pria di partir"?, mas uma tempestade desce sobre o porto, prenunciando a vingança de Netuno ante a promessa rompida. Idomeneu reconhece sua culpa mas acusa o deus de injustiça e o ato termina com a multidão correndo aterrorizada. Ato 3 Um dos momentos mais perfeitos desta ópera é a ária "Zeffiretti lusinghieri"?, cantada por Ilia , que só pensa em seu amor por Idamante. Este está de partida para combater o monstro que Netuno enviou para atacar a ilha e talvez não retorne. Ilia involuntariamente confessa seu amor e segue-se um dueto. Idomeneu e Electra os interrompem. Ninguém sabe ainda a verdadeira causa da desgraça que se abateu sobre todos e Idamante despede-se com tristeza no quarteto "Andrò ramingo e solo ". O grão – sacerdote obriga o rei a confessar sua promessa a Netuno e o povo é tomado de horror ao saber que Idamante será sacrificado para acalmar a ira do deus. A população está reunida no templo de Netuno, para o sacifício. Neste meio tempo um grito de triunfo é ouvido: Idamante matou o monstro, anuncia Arbace. Idamante ao tomar conhecimento da promessa feita por seu pai se oferece em sacrifício e este é obrigado a aceitar. Quando a cerimônia está para ser consumada , chega Ilia e se oferece no lugar de Idamante. Um oráculo de Netuno resolve a situação: se Idomeneu renunciar ao trono em favor de seu filho a promessa se tomará nula. Em meio a grande alegria só Electra vê concretizado seus piores temores; e numa violenta manifestação de fúria abandona a cena, ou em algumas versões cai morta , ou comete suicídio. Na última cena, a alegria é contagiante, e Idomeneu apresenta ao povo seu novo governante, Idamante, e com um último recitativo e ária "Torna la pace al core"?se despede. Salzburgo 1791 A Flauta Magica Uma ópera sobre o amor e o relacionamento ideal do casal "A Flauta Mágica"? é uma fábula sobre o amor – no seu sentido mais amplo – e também sobre o relacionamento ideal de um casal. Tudo dá certo quando o casal que se ama trabalha junto na superação das dificuldades impostas pela vida, garantem a música de Mozart e o libreto de Schikaneder. Dois casais conduzem a história: um príncipe e uma princesa (Tamino e Tamina), um caçador de passarinho e uma mulher (Papageno e Papagena). O casal nobre, busca o amor perfeito, espiritual e sereno. O casal de pessoas comuns, se contenta com menos: quer apenas uma vida normal, casa, comida, filhos e bens materiais suficientes para uma sobrevivência decente. Importante: o autor da ópera não condena nenhuma das formas de amor ou expectativa de vida comum preconizada pelos dois casais. Segundo o autor, os dois casais estão certos, já que eles se amam, têm confiança mútua e dispostos a se ajudar, sempre. Tamino é um príncipe egípcio e Tamina é filha da Rainha da Noite. A história se passa no templo de "?sis, no Egito, durante o período de Ramsés I. Tamino é perseguido por uma cobra, desmaia e é salvo por três damas da noite, ao mesmo tempo em que chega um caçador de pássaros (Papageno) que, Tamino, ao acordar, pensa ter matado a cobra. As damas voltam para contar que a princesa foi raptada pelo mago Sarastro, que é tido como mau. A rainha pede a Tamino que vá salvá-la. Este recebe da rainha uma flauta de ouro, mágica, que ao ser tocada pode livrá-los dos perigos. Ele segue acompanhado de Papageno, que recebe um carrilhão, também mágico. No palácio, Monostatos, escravo mouro do palácio de Sarastro (o sacerdote de "?sis que levou Pamina) tenta seduzí-la. O sacerdote descobre e manda que a solte. Ele ainda tenta outras vezes. Durante a trama, se percebe que o mago não é mau e que o rapto foi para salvar Tamina das maldades da mãe. Os príncipes se apaixonam e Papageno encontra a mulher com quem sempre sonhou. Leopold Mozart O compositor e o libretista, para facilitar a composição e os ensaios, subdividem a ópera em pequenas unidades. Numeros Exposicao Na exposição o tema é apresentado numa voz e, a seguir, vêm as respostas, ou seja, as outras vozes, cada uma por sua vez, entram imitando a primeira. Enquanto é tocada a resposta, a primeira voz (e as outras vozes na sua vez) expõe o contratema. No final da seção há uma codetta (diminutivo de coda). Estas palavras significam Pleno ou Todos. É uma orquestra formada somente por instrumentos de corda, onde estes lançam os temas e preechem a harmonia na parte intermediária. Ripieno ou Tutti 1829 As Hebridas - Op. 26 (As grutas de Fingal) Em 1829, Mendelssohn viaja pelo norte da Escócia e concebe as idéias musicais que futuramente formariam as partituras tanto da Sinfonia nº 3, a Escocesa, como desta abertura As Hébridas. A Gruta de Fingal, uma cavidade basáltica na ilha de Staffa, impressionou tremendamente o jovem compositor. Tanto que esta página pode ser descrita como o primeiro "quadro marinho" da música romântica. Trata-se de uma visão impressionista e não descritiva, como se pode pensar. Mendelssohn "pinta" com exatidão de cores o mar invadindo a gruta, o poder das ondas contra a imponência das rochas e a sabedoria implícita de que um não existiria sem o outro. Do mesmo modo, As Hébridas constituem um curto poema sinfônico, onde a estrutura é de um Allegro de sonata, com alguns motivos secundários. O primeiro tema é anunciado pelos fagotes, violas e violoncelos unidos, sofrendo inúmeras transformações rítmicas ao longo do desenvolvimento. O segundo tema é mais expressivo, fazendo aparecer uma melodia confiada aos violoncelos, acompanhados pelo fluxo das outras cordas e por notas sustentadas nas madeiras. O desenvolvimento é intenso e o primeiro tema retorna desta vez num staccato e se expande em escala pelas cordas - evocação muito evidente dos ecos que ressoam nas paredes da gruta, pelas batidas das ondas. A conclusão traz de volta o legato antecedente, e a obra termina como os murmúrios do mar. Esta obra se compõe das seguintes partes: Abertura - Op. 21 Música de Cena- Op. 61 Scherzo - A dança dos Clowns Intermezzo Noturno Marcha Nupcial Finale Duração média : 20 minutos Pelo menos no que se refere à Abertura e à Marcha Nupcial, pode-se dizer que esta é uma das mais populares obras de Mendelssohn. Contudo, embora conservem uma impressionante harmonia, quinze anos separam as composições da Abertura (op.21) e da Música de Cena (op.61), onde estão incluídas A Dança dos Clowns e a Marcha Nupcial. Escrita em apenas um mês, em 1826, pelo jovem Mendelssohn - que tinha, então, apenas 17 anos -, a Abertura foi estreada a 29 de abril de 1827, em Stettin, sob a regência de Carl Loewe. Baseada na obra de William Shakespeare, a qual leu avidamente junto com a irmã Fanny, a Abertura demonstra que o compositor soube, como ninguém, captar o espírito da comédia, bem como recriar o mundo das fadas de forma tal, que escapa ao âmbito da pura e simples fantasia anedótica. Depois de longo tempo, Mendelssohn resolveria retomar a partitura, em 1842, compondo a Música de Cena sob encomenda expressa de Frederico Guilherme IV, rei da Prússia. Composta de treze partes, a Música de Cena pode ser dividida em Scherzo, Intermezzo, Noturno, Marcha Nupcial e Finale. Sendo a Abertura, falando a grosso modo, uma pequena peça onde o compositor dá um breve panorama do que se verá na Música de Cena, será nesta última que se desenvolverão todos os temas rapidamente expostos naquela primeira parte. A Dança dos Clowns (bufões), portanto, nada mais é do que o trecho onde se revê o tema da festa e das danças expostas na Abertura. O intermezzo, por sua vez, em lá menor, corresponde ao fim do segundo ato (os namorados separados na noite, Lisandro e Hermia, Helena e Demétrio, sucessivamente perseguindo-se e esquivando-se). Suas corridas e suas paradas são expressas em um Allegreto appassionato, exposto pelas madeiras e cordas. O movimento termina com a evocação dos "atores", tentando, em vão, e de modo grotesco, representar a tragédia de Píramo e Tisbe. A Marcha Nupcial - parte integrante da música incidental - ganharia vida própria, percorrendo o mundo, destacada da suíte de concerto, mais propriamente nas saídas de nove em cada dez casamentos. De tão conhecida, a Marcha não deixa que se perceba seus detalhes engenhosos. E é difícil justificar seu enorme sucesso, senão por esta orquestração aparatosa e de alegre solenidade. A Dama de Espadas 1890 A ação se passa na primeira metade do século X, em Antuérpia. ATO I Numa planície às margens do rio Escalda. O rei Henrique veio a Antuérpia formar um exército para combater as hordas húngaras que invadiram a Alemanha. Encontrou a região num estado de confusão, sem um líder desde a morte do velho Duque de Brabante. Os filhos do duque, a donzela Elsa e o garoto Gottfried, foram deixados aos cuidados do conde Friedrich de Telramund, a quem foi assegurado o eventual direito de casar-se com Elsa. Ela, entretanto, não quis casar-se com Telramund, que escolheu para esposa Ortrud, a filha do príncipe de Friesland. Um dia, passeando na floresta com sua irmã, Gottfried desaparece misteriosamente. Telramund, despeitado pela rejeição, acusa Elsa publicamente de ter assassinado o irmão, para poder governar o feudo de Brabante ao lado de um amante desconhecido. Na qualidade de parente do duque, o seguinte na linha de sucessão, reivindica a soberania do ducado para si. O rei interroga Elsa, e a seguir ordena a Telramund que prove a acusação. Telramund diz ter uma testemunha secreta, que sua honra impede de revelar (Na verdade foi a mentirosa Ortrud quem lhe afirmou ter visto Elsa matar o irmão). Telramund propõe que a questão seja decidida pela antiga tradição do combate singular. Solicitada a apresentar um campeão que defenda sua causa, Elsa diz que aguarda a chegada de um cavaleiro de brilhante armadura que viu em seus sonhos, enviado por Deus como seu salvador, e reza, acompanhada das demais mulheres. Nesse instante, descendo o rio, surge um bote, puxado por um cisne, trazendo um cavaleiro completamente armado, que se oferece para lutar por ela e provar sua inocência. Ele promete, após a vitória, casar-se com ela e governar suas terras; em troca, ela jamais poderá perguntar-lhe seu nome ou sua origem. No duelo que se segue, Telramund é vencido, mas o cavaleiro poupa sua vida, e todos, com exceção de Ortrud e Telramund, se alegram. ATO II Na fortaleza de Antuérpia. Enquanto todos celebram a inocência de Elsa, Telramund e Ortrud esgueiram-se furtivamente nas sombras da noite. Ortrud, conhecedora das antigas artes de magia negra, dirige seu olhar vingativo ao castelo. Ela explica ao marido que os poderes mágicos que ela acredita protegerem o cavaleiro do cisne serão diminuídos, se ele for forçado a revelar sua identidade, e jura arrancar-lhe o segredo. Telramund concorda em ajudá-la e sai em seguida. Agora, Elsa surge no balcão e vê Ortrud no pátio, fingindo-se desesperada por ter sido banida. Elsa se apieda dela e a traz para dentro de casa como sua ama. Ortrud começa a minar a confiança de Elsa na credibilidade do cavaleiro enviado por Deus e tenta induzi-la a pensar que ele poderá desaparecer tão misteriosamente como surgiu. A cerimônia de casamento foi marcada para a manhã seguinte. Quando Elsa vai entrar na igreja, é impedida por Ortrud, que alega ter precedência de entrada em relação à noiva. Elsa não entende a irada reação de quem foi tratada por ela com bondade. Aos gritos, Ortrud trata de difamar o cavaleiro desconhecido, atacando sua origem. A chegada do rei, acompanhado do noivo, silencia a invejosa princesa. Mas Telramund aparece, e o desafia publicamente a declarar seu nome e origem. Este, numa atitude de nobre indignação, chama Telramund de desonrado, e diz que a única pessoa que tem o direito de fazer tal pergunta é sua futura esposa. O rei apóia o recém-chegado e homenageia seu heroísmo. Nesse meio tempo, o insidioso Telramund aproxima-se da confusa noiva e lhe sussurra ao ouvido. Ficará, naquela noite, nas proximidades da câmara nupcial. Se Elsa quiser chamá-lo, ele cortará um pequenino pedaço da ponta do dedo do noivo, removendo assim, a mágica que o envolve. Com isso, seu segredo será revelado e o cavaleiro permanecerá ao lado dela para sempre. Ao ver Telramund e Ortrud com Elsa, o cavaleiro expulsa os dois e conduz sua noiva ao altar. Elsa reafirma sua confiança no campeão que o Céu lhe enviou, mas, dentro dela, o amor começa a ser minado pelo medo e pela dúvida. ATO III Cena 1 Na câmara nupcial. Sozinho com Elsa, o cavaleiro lhe declara seu amor. Ela, por sua vez, sugere estar ansiosa por fazer a pergunta proibida. Ele lhe relembra a promessa feita e lhe assegura ter vindo de um lugar de grande esplendor apenas para salvá-la. Mas essa afirmação a assusta em vez de tranqüilizá-la. Talvez seja verdade que o cavaleiro possa desaparecer a qualquer momento. Num estado de grande agitação, Elsa não resiste às dúvidas, e pede ao marido que revele sua verdadeira identidade. No momento em que Elsa está formulando a pergunta, Telramund invade o quarto, acompanhado de quatro conspiradores e ataca o cavaleiro. Este, com apenas um poderoso golpe, tira a vida do adversário. Muito triste, o cavaleiro ordena aos conspiradores que levem o corpo até o rei e diz a Elsa, que toda a felicidade está perdida e que ele responderá à fatal pergunta na presença de todos. Cena 2 Mesma planície do primeiro ato. O rei saúda seu novo exército, que se prepara para partir para a batalha. O cavaleiro se apresenta, exibe o corpo de Telramund ao rei e narra todo o acontecido e responde a questão proibida. Ele vem do mítico castelo de Montsalvat, cujo templo brilhante abriga o sagrado Graal. Seu nome é Lohengrin, filho de Parsifal, o rei dos cavaleiros do Graal. Sua missão é proteger o Bem e a Verdade e lutar contra o Mal. Como cavaleiro do Graal, ele perde seus divinos poderes sempre que é forçado a revelar sua identidade. O barco conduzido pelo cisne reaparece no rio e Lohengrin, preparando-se para partir, promete a Elsa que Gottfried será encontrado com vida. Surge agora Ortrud, que, com maldosa alegria, escarnece de Elsa, cumprimentando-a pela expulsão do cavaleiro. Exultante, Ortrud reconhece o cisne pela corrente dourada que carrega em seu pescoço: é o irmão de Elsa sobre quem a própria Ortrud jogou uma maldição dos antigos deuses, transformando-o no cisne. Lohengrin se ajoelha e reza. Dos céus, desce uma pomba branca que toma a corrente do barco em seu bico, enquanto o cisne mergulha nas águas do rio. Em seu lugar, auxiliado por Lohengrin, surge o irmão de Elsa. Lohengrin saúda o novo duque de Brabante e parte para sempre. Ortrud desmaia. Elsa abraça seu irmão, e cai morta a seguir. Lohengrin 1845 - 1848 Rienzi 1839 Sua música instrumental do tempo de mocidade é insignificante. Reconhecendo seu talento duplo, de músico e poeta, deixou de escrever óperas comuns para dedicar-se ao novo gênero que criara, o Drama Musical. Encontrou na crítica, no público e nas casa de ópera, as mais fortes resistências e envolveu-se em polêmicas, numa situação agravada pelo exílio por motivos políticos. 22/05/1813 Durante a preparação de Tannhäuser e Lohengrin, Wagner entrara em contato com a versão da história de Tristão e Isolda - antiga lenda céltica originária da Cornualha - tal como foi contada no poema de Gottfried Von Strassburg, que ele leu na versão em alemão moderno, publicada em 1847. Em dezembro de 1854, numa carta a Liszt, dizia que, como em sua vida nunca conhecera a verdadeira felicidade no amor, pretendia "erguer um monumento ao mais belo dos sonhos". Esse monumento seria Tristão e Isolda. Tristão e Isolda narra a história de Tristão (príncipe da Cornuália - tenor) e Isolda (princesa da Irlanda - soprano) baseada em lenda medieval. Tristão vai buscar Isolda, prometida para ser esposa do rei Marke da Cornuália, seu tio. Durante a viagem de navio, Isolda, descendente de feiticeiras poderosas, se lembra de que havia salvo a vida de Tristão com poções e, quando descobriu que ele havia matado seu noivo, tentou matá-lo mas desistiu. Com raiva, pede a Kurvenal (escudeiro de Tristão) que o chame, para conversar com ela. Na verdade, pretende envenená-lo com uma poção da morte, que manda sua camareira (Brangane) preparar com os materiais guardados de sua mãe e que trouxera para o navio. Ele toma, ela também (para não se casar) e se apaixonam, porque a camareira fez uma poção de amor. Ao desembarcar os dois cantam sua paixão e isso é denunciado ao rei, que os flagra no castelo. Numa luta travada entre o escudeiro do rei (Melot) e Tristão, este se deixa ferir de propósito, amargurado com a situação de estar traindo o tio. Levado para seu palácio e ferido de morte, recebe Isolda que foi levada de navio até seu palácio, declara-lhe seu amor eterno e morre em seus braços. Logo após chega o navio do tio que ficou sabendo da poção trocada e foi perdoar Tristão pela suposta traição e também perdoa Isolda, mas esta morre ao lado de Tristão. Tristao e Isolda 1859 1852-1874 O Anel do Nibelungos Wilhelm Richard Wagner Leipzig Primeiro ato Gurnemanz, o mais velho cavaleiro da irmandade, ensina aos jovens escudeiros o serviço dos cavaleiros do Graal. Kundry, como bruxa selvagem, aparece trazendo um bálsamo para Amfortas, que ela conseguiu na Arábia. Durante o caminho para banhar-se em um lago na floresta, o rei Amfortas aparece carregado em uma cadeira de arruar, acompanhado por alguns cavaleiros. No banho, ele procura aliviar as dores da chaga. Gurnemanz e Amfortas contam a origem do Santo Graal e as circunstâncias do roubo trágico, por Klingsor, aos escudeiros e cavaleiros, que se admiram. Após o retorno de Amfortas ao castelo, um cisne branco cai do céu. Os cavaleiros e escudeiros ficam escandalizados: "Quem cometeu um crime deste na floresta do Graal, onde todos os animais são considerados santos?"? Logo os cavaleiros encontram o delinqüente, o jovem que atirou a flecha improvisada no cisne branco. Durante o interrogatório do jovem atirador, Gurnemanz percebe que Parsifal nem sabe seu próprio nome, nem sua origem, nem tem noção da culpa por ter atirado no cisne na floresta santa. Gurnemanz tem a primeira noção de que este jovem poderia ser o anunciado tolo inocente. Desse modo, convida o jovem Parsifal para acompanhá-lo até o castelo do Graal, onde serão, naquele dia, celebradas as cerimônias da revelação do Graal. Mudança do cenário: Da floresta do Graal se passa para o interior do templo do Graal. Em um cortejo solene, os cavaleiros entram, acompanhados pelos anjos, no templo do Graal. Parsifal, acompanhado por Gurnemanz, entra no templo e testemunha uma cerimônia grandiosa. Ele não demonstra reação alguma, permanecendo mudo e quieto em um canto. Amfortas entra, trazido em seu trono de arruar, pelos cavaleiros. Titurel, o pai de Amfortas e antigo rei que ainda vive na cova, pela força do Santo Graal, pede ao filho para iniciar a celebração. Mas Amfortas, fraco e cansado, sofrendo pela chaga, recusa celebrar a cerimônia. Os cavaleiros não se importam com isso e insistem, novamente, no início da celebração. Isolado e sofrendo as maiores dores, Amfortas finalmente cumpre sua função como rei do Graal, que coros de anjos acompanham solenemente. Parsifal permanece impassível em um canto, até o fim da cerimônia. Certamente Parsifal não pode ser a pessoa anunciada: mesmo um tolo completo, ele não demonstrou um único sinal de compaixão. Decepcionado, Gurnemanz expulsa Parsifal do templo do Graal. Segundo ato No Jardim do feitiço (jardim encantado) O que Gurnemanz ainda não descobriu é que Parsifal pode ser, de fato, o anunciado tolo inocente, o que o feiticeiro Klingsor já percebeu. Para acabar com Parsifal, Klingsor prepara as mais fortes armadilhas contra ele: mulheres sedutoras e a bruxa Kundry, incorporando a linda mulher, para fazê-lo também cair em tentação. Parsifal, que depois de expulso do Castelo do Graal já andou o mundo todo e aprendeu bastante, chega ao jardim encantado de Klingsor. Muitas mulheres, de beleza excepcional, tentam seduzi-lo, mas ele, inexperiente, pensa que são lindas flores. Kundry, a mais bela de todas, aparece e pede que as outras se retirem. Ela lança, agora, sua mais forte arma: ela chama Parsifal pelo seu nome, pois havia dois dias que ele não ouvia sua mãe o chamar e tinha-o esquecido. Parsifal lembra-se de seu nome e da própria mãe que o chamava, sempre, pelo nome. Recordações e muitas emoções inundam sua mente. Assim, Parsifal começa a compreender a vida, e tem início um processo de maturação. Kundry não consegue seduzir Parsifal, mas um único beijo que ela soltou foi suficiente para ele acordar: Parsifal começa a ter noção do que era o amor de sua mãe, do sofrimento e das dores que ele deu a ela através da fuga sem motivo. Parsifal agora entende as dores e os sofrimentos de Amfortas, como Rei do Graal de um lado, e pecador de outro. Entende, também, Kundry, que está querendo seduzi-lo, porém procura a libertação da possessão do demônio. Compreende a paixão do Salvador para a salvação de todos os homens. Depois dessa transformação de Parsifal, Klingsor não consegue nada contra ele. A Lança Santa que Klingsor joga, com toda raiva, contra Parsifal, pára milagrosamente em pleno vôo, acima da cabeça deste. Assim ele pega a Lança Santa e, com ela, faz o sinal da cruz. Imediatamente Klingsor e o jardim encantado descem ao inferno. Terceiro ato Na floresta perto do castelo do Graal Por muito tempo a irmandade do Santo Graal vive sem a força sagrada, porque Amfortas foi fraco demais para cumprir a função da celebração do Graal. A irmandade está muito triste e Titurel morreu definitivamente. Naquela Sexta-feira Santa, a irmandade irá se reunir pela última vez para celebrar o funeral de Titurel. Gurnemanz vive perto do Castelo do Graal, como eremita. Nesta Sexta-feira-Santa, pela manhã bem cedo, Gurnemanz encontra Kundry, perto da casa dele, no meio da mata. Mas desta vez Kundry parece bem diferente, não há mais a mulher selvagem e bruxa como antes: ela mudou. Está vestida como uma penitente. Gurnemanz interpreta essa mudança como um bom sinal. Logo após, aparece mais alguém, um cavalheiro estranho, com um capacete fechado e armado, com uma lança. Quando o cavaleiro abre finalmente o capacete, Gurnemanz reconhece o que Kundry sentira antes: o estranho cavaleiro é Parsifal. E logo depois ele reconhece, também, a Lança Santa que Klingsor roubou e que Parsifal traz de volta. Assim, Gurnemanz descobre que Parsifal é, realmente, o anunciado redentor que trará a salvação para Amfortas. Como o cavaleiro mais nobre da irmandade do Santo Graal, Gurnemanz consagra Parsifal, com óleo, como novo rei do Graal. Como primeira tarefa, ele batiza a convertida Kundry, que lava os pés dele, seguindo o exemplo de Maria Madalena. Gurnemanz acompanha, novamente, Parsifal, agora como o novo rei, para a cerimônia no castelo, onde as últimas celebrações do Santo Graal, em homenagem a Titurel, falecido, irão acontecer. Amfortas, sofrendo muito, não quer saber da celebração do Graal, desejando apenas a morte. Recusa-se, veementemente, realizar a cerimônia, desejando ver-se livre do seu sofrimento. Naquele momento, quando a irmandade estava prestes a forçar Amfortas a cumprir sua função, Parsifal aparece com a Lança Santa. Ele toca com a lança a chaga de Amfortas e imediatamente a chaga se cicatriza. A anunciada salvação para Amfortas chegou. Como novo rei do Santo Graal, Parsifal preside a Santa Cerimônia, elevando o Santo Graal, abençoando toda a irmandade, anunciando que nunca mais deverá ser coberto o Santo Graal, e que todos tenham acesso a sua força. Coros de anjos cantam o apoteótico final: "Salvação para o Redentor"?. Parsifal 1877-1882 Dividida em três atos, esta é a segunda obra do ciclo O Anel dos Nibelungos, baseado em lendas nórdicas, e estreou em 1870. A saga sublime em quatro óperas, desenhada por Wagner, com seus heróis em fúria, sua profundidade musical, dramática e psicológica, que começa com O Ouro do Reno, com um anel mágico sendo forjado, tem aqui o segundo momento. Por um lado se narra a história de Siegmund e Sieglinde e, por outro, a de Wotan e sua filha, a Valquiria Brunhilde. Siegmund, também filho de Wotan, chega fugindo à cabana do caçador Hunding. Ali, lhe dá refúgio Sieglinde, a esposa do caçador, quando Hunding chega e descobre que Siegmund é o inimigo que perseguia. Sieglinde e Siegmund (que são irmãos) se apaixonam e decidem fugir. Enquanto isso, Siegmund retira de uma pedra uma poderosa espada, que seu pai deixou para ele. Wotan ordena a sua filha, a Valquiria Brunhilde, que apoie Siegmund na luta que se avizinha. Fricka, esposa de Wotan, denuncia a relação adúltera e incestuosa dos dois irmãos, forçando Wotan a desdizer ante Brunhilde o que lhe havia pedido antes. Brunhilde acode ao lugar da luta, enviada por Wotan para recolher Siegmund, quando este seja assassinado e levá-lo ao Walhalla. Siegmund se nega porque Sieglinde não pode ir com ele e então Brunhilde se apieda deles e lhes ajuda, contradizendo as instruções de seu pai. Wotan finalmente chega e com sua poderosa lança rompe a espada Nothung, provocando a morte de Siegmund. Quando chega Wotan, desata sua ira e lhe quita a imortalidade de Brunhilde. 1852-1874 A Valquiria Tannhauser 1843 - 1845 1841 O Navio Fantasma 1862-1867 Os Mestres Cantores de Nuremberg 13/02/1883 Opera É uma abreviatura da expressão italiana opera in musica ou seja obra literária posta em música. Na época surgiram também as denominações: favola in musica ("lenda musicada") ou dramma per musica ("teatro musicado"). Há muitos exemplos de artes cênicas acompanhadas por música em todas as épocas anteriores, tanto no Ocidente quanto no Oriente, mas o processo que levou a criar este espetáculo foi, no mínimo, curioso. Um grupo de intelectuais de Florença, os membros da Camerata Fiorentina, queria recriar, dentro do espírito renascentista literário, as tragédias gregas, que eram acompanhadas por música. Só que ao traduzir uma expressão grega que significava "declamando", eles a traduziram por "cantando" (nas palavras italianas "per recitare cantando"). De um erro de tradução, sem querer, criaram um novo gênero musical ! Para efetivar o projeto, lançaram mão de uma novidade da época: a monodia (do grego "um som") ou melodia acompanhada, por entenderem que esta poderia expressar os sentimentos humanos convenientemente, segundo a estética deles. A música polifônica, de acordo com esta tese, seria inadequada. Após várias tentativas frustradas, a primeira ópera, que poderia receber esta denominação, seria La Dafne de 1597, com música de Jacopo Peri (1561/1633) e Jacopo Corsi (1561/1602) e libreto de Ottavio Rinuccini (1562/1621), baseada na mitologia grega, conforme o gosto renascentista. Infelizmente a música se perdeu. A primeira ópera completa que nos resta, com duas versões musicais, é Eurídice de Peri, versão de 1600, e Giulio Caccini (1545/1618), de 1602, e baseadas num libreto de Rinuccini. Cada versão foi concebida para duas festas diferentes. 1877 Ievgueni Onieguin A ópera narra uma história de amor e de desencontro. Onieguin conhece Tatiana, que se apaixona por ele e é rejeitada. Onieguin prefere cortejar Olga, a amada do seu Lienski. Este irrita-se com ele e ambos duelam. Lienski morre e Onieguin desespera-se com a dor de haver matado seu amigo. Anos mais tarde, encontra Tatiana, agora casada com o príncipe Griemin, e fica perdidamente apaixonado, percebendo o erro que cometera tempos atrás. Chegou a sua vez de ser rejeitado. Voltkinsk 25/10/1893 Alexandra Andreivna d'Assier Piotr Ilitch Tchaikovsky 07/05/1840 1871 Quarteto de Cordas N.1 Muitos pesquisadores da História da Música delimitam o Romantismo musical entre os anos de 1800 e 1890, mas há outros que apontam como seu início o ano de 1830 e o encerram em 1914. Podemos traçar as características da música do século 19, independente de sua denominação, de suas datas e de suas lendas. A melodia desta música toma um aspecto redondo, mais fluente, parecendo ficar infinita. Isto foi uma conseqüência da introdução de elementos da música folclórica e da música popular, devido às diversas ondas nacionalistas que ocorreram na Europa naquele tempo. Assim o repouso da melodia é ampliado por "notas estranhas" e pelas ousadas modulações, que se distanciam cada vez mais da tonalidade de início. Também esta expansão nas modulações é alcançada através da alteração ou substituição ou introdução de novos acordes. Assim chega-se ao cromatismo harmônico, que produz uma indefinição tonal momentânea. Apesar destas inovações extraordinárias qualquer obra deste período é fortemente baseada na harmonia tonal. São herdadas as formas do classicismo, mas expandidas com estes novos recursos melódico-harmônicos. Criam formas cíclicas, ou seja, formas em que um tema é rememorado em várias partes de uma mesma composição. Cada compositor batizou este processo com um nome: "idéia fixa" (Berlioz), "transformação temática" (Lizst) ou "motivo condutor" (Wagner). Outros compositores procuram criar esquemas livres. Muitas destas formas livres são baseadas em roteiros fornecidos pelas outras artes, principalmente vindos da Literatura. Novas expressões de execução aparecem: "sforzando", "martellato", "dolce" etc. Há, também, uma tendência em trocar o italiano pelos idiomas nacionais. Assim, temos partituras com a nomeclatura toda em russo, castelhano ou em norueguês – mas isto só se aprofundou no século 20. A orquestra sinfônica torna-se gigantesca. Os instrumentos são duplicados, triplicados e até quadruplicados em número E adota-se o flautim, o corne-inglês, o pequeno clarinete (no Brasil: requinta), o clarinete baixo, o trombone e a harpa, entre outros. Romantico 1910 1810 Peça não muito longa, escrita geralmente para piano ou orquestra, baseada em temas populares. As "Rapsódias Húngaras" de Liszt são um exemplo acabado do tema. Rapsodia Aos 12 anos de idade, tornou-se aluno de composição de Charles-René, que ensinou-lhe harmonia, contraponto e os princípios da composição. Em 1889 Ravel entrou para a classe de piano do Conservatório de Paris. Foi o ano da "Exposition Universelle", onde Debussy maravilhou-se com a música javanesa, enquanto Ravel adquiria o gosto pela arte oriental. Sua música, de extraordinária unidade e limpidez, e de tradição clássica, ganhou com isso em colorido e originalidade. Aos 26 anos obteve, com uma cantata, o segundo lugar no Prêmio de Roma. Nesta época já era autor de Les Sites auriculaires (1895), para dois pianos e de Pavane pour une infante défunte (1899). Ao candidatar-se novamente, em 1904, havia composto Jeux d'eau (1901, para piano), o quarteto de cordas em fá maior (1902-03) e Shéhérazade (1903). Mas não foi sequer admitido às provas eliminatórias e esta injustiça tornou-o arredio para o resto da vida. Em 1920 recusaria a Legião de Honra. Maurice Joseph Ravel 1937 Bolero 1928 Em 1927, a dançarina Ida Rubstein pediu a Ravel que orquestrasse algumas páginas de Albeniz. Ravel decidiu compor uma obra nova e escolheu um bolero, atraído, ao que parece, pelo ritmo repetitivo e pela simplicidade melódica desta dança. A peça foi estreada em Paris, a 22 de novembro de 1928 e o próprio Ravel descreveu seu bolero como: "dezessete minutos de textura orquestral sem música"?. Gustave Samazeuilh relata as reflexões que inspiraram ao autor o tema que esboçava , à época da composição: "Não acha que esse tema contém uma insistência? Vou tentar tornar a dizê-lo um bom número de vezes sem qualquer desenvolvimento, graduando o melhor que possa a orquestração."? Dois temas imutáveis: um em dó maior e outro em dó menor, juntamente com o ritmo constante do Tempo di Bolero moderato assai, formam a essência da peça. Somente a progressão dinâmica e o diálogo dos timbres instrumentais vão criar a variedade sonora. Bolero Joseph Ravel Marie Ravel Cibourne Muitos compositores diferentes entre si, por diversas razões, optaram por abandonar os doze sons da escala ocidental e explorar o universo microtonal, isto é, os milhares de sons existentes entre os nossos semitons. Eles escreveram muitos livros teóricos, adaptaram os instrumentos tradicionais, pegaram instrumentos étnicos e inventaram outros somente com este objetivo. Criou-se também uma grafia para indicar os microtons. As dificuldades de aceitação desta corrente foram causadas: - pela limitação de adaptação do instrumental europeu; - pelo desinteresse dos executantes para aprender a tocar instrumentos orientais ou para conhecer os novos; - pelo ouvido do público de concerto. O microtonalismo ou seus elementos sobrevivem em muitas tendências atuais. Microtonalismo Atonalismo O atonalismo tem as seguintes características: - intervalos mais usados: segunda maior, segunda menor, nona menor, quarta aumentada, quinta diminuta e sétima maior; - princípio da não-repetição, dando origem à polimelodia e ao atematismo; - uso de texturas inovadora (pontilhismo), ou antigas (polifonia, monofonia e heterofonia); - ritmos flutuantes e dissolvidos na trama melódico-harmôrnica; - violência na dinâmica; - sprechstimme ou sprechgesang ; - angfarbenmelodie; - acompanhamento de um programa (poema, pintura etc...); - conjuntos de câmara (depois voltaram a aumentar o efetivo instrumental); - peças de curta duração (depois fizeram obras muito longas). 1900 A música multimídia, da década de 60, utiliza-se de vários recursos artísticos, como a representação teatral, vídeo, computador, raio laser, iluminação, figurino, máscaras, coreografia, maquiagem, adereços e outros aparatos técnicos, fazendo papel estrutural com a musical. Multimidia É um tipo de música que se estrutura de um modo muito simples: poucos sons que se repetem e pouco se modificam durante um período relativamente grande de tempo. Recebeu influências de Satie, Cage, Milhaud, Orff, Bartók, das músicas étnica, religiosa, folclórica e popular, e das artes de vanguarda. As características básicas são: - tonalismo diluído devido às repetições; - volta da melodia e acordes tonais (algumas vezes também baseados nos modos antigos, medievais e étnicos); - homofonia e heterofonia; - forma: sucessão de seções repetitivas; - rítmica livre, mas fundamentada nos compassos tradicionais; - não há preocupação com timbre, dinâmica, articulação ou qualquer outra nuance; - andamento lento; - instrumentos acústicos, eletrificados, sintetizadores; - escrita tradicional, com raríssimas inovações. Minimalismo Dodecafonismo A partir de 1921, Schoenberg desenvolveu um método de composição batizado de dodecafonismo ("doze sons" em grego). O método consiste em organizar os doze sons da escala ocidental em uma sucessão, sem qualquer relação tonal entre eles, chamada "série". A sucessão dos sons dentro da série é livre, mas alguns compositores faziam séries simétricas (com um imenso rigor na relação intervalar entre eles, baseado em algum preceito sonoro, matemático, místico etc...) ou séries assimétricas (liberdade interna de intervalos). Pede-se para evitar toda e qualquer sucessão de intervalos que lembrem a música tonal - mas nem sempre esta lei foi respeitada. Todos os doze sons devem ser usados e nenhum pode ser repetido, entre os outros, enquanto cada um deles não for apresentado. As técnicas composicionais do dodecafonismo são: - as notas da série podem ser transformadas em melodias ou acordes, respeitando sempre a sua posição dentro da seqüência; - ela pode ser trabalhada em quatro maneiras diferentes: série original (SO) - série retrógrada (SR): a série original tocada de trás para frente - série invertida (SI): inverto os intervalos da série original - série retroinvertida (SA): a série invertida tocada de trás para frente; - toda a série pode ser transposta para outras alturas, mas mantendo a sua estrutura intervalar original; transportando-a onze vezes, fica-se com doze; multiplicando as doze pelas quatro maneiras, obtém-se um total final de quarenta e oito séries; enfim um material imenso para se trabalhar. Depois deste trabalho, que muitos estudiosos chamam de pré-composição (planejamento geral e básico da peça), começa o trabalho de composição na música propriamente dita. Aí lançavam mão de vários recursos técnicos, cujas características são as mesmas citadas acima, incluindo-se aí formas tradicionais e até danças populares melódico-harmôrnica. Sonorismo Denominada também de "música matérica". Muitos compositores, no começo da década de 60, continuaram a se utilizar dos instrumentos acústicos comuns, com alguns conceitos estéticos da eletroacústica, do microtonalismo, da música aleatória, além de pesquisas nas Ciências em geral (fonética, física etc.). Também receberam influências das obras de Debussy, Stravinsky, Schoenberg atonal, Bartók, Webern, Messiaen, Ives, Boulez, Stockhausen, Cage, da música de tradição não-européia e das vanguardas de outras artes. As características são: - atonalismo e microtonalismo; - monofonia, micropolifonia, heterofonia, pontilhismo e núvem; - forma: sucessão, oposição ou superposição de estados sonoros; - vastos pedais estáticos graves ou agudos; - sons hiperagudos ou supergraves; - sons sustentados; - sons ondulantes; - glissandos, clusters, blocos, trajetórias; - rítmica livre baseada no tempo cronométrico ou pessoal; - intensidades variadas; - andamento lento; - maneiras novas de se tocar um instrumento; - instrumentos eletrificados; - eletroacústica; - uso da voz; - virtuosidade instrumental e vocal; - grafia nova com escrita histórica; - títulos científicos (geométricos, acústicos, matemáticos etc.), religiosos, étnicos ou poéticos em vários idiomas antigos ou não-europeus (latim, sânscrito, xavante, zulu, entre outros); de vez quando aparece nome de algum gênero tradicional europeu. A música do século 20 recebe as denominações de MODERNA ("hoje" em latim) ou CONTEMPORÂNEA ("ao mesmo tempo" em latim). Outras vezes a chamam de VANGUARDA (do francês "avant-garde", que significa "soldado avançado"). Ainda há o termo EXPERIMENTAL. Todas estas denominações são provisórias porque, talvez pela primeira vez, a música não retira conceitos das outras Artes e, também, porque algumas músicas já não são tão modernas ou contemporâneas, outras já deixaram de ser vanguarda há muito tempo e toda arte criativa, em qualquer época, tem a experimentação como fundamento para a sua realização. Assim a preocupação em batizar este período deve ser deixada aos futuros historiadores levando-se em conta somente a estrutura e a estética musicais. A música do século 20 não tem um estilo único, mas inúmeras tendências e múltiplas correntes sucessivas e coexistentes. O que existe em comum entre todas é a vontade de pesquisar, desbravar e inventar novos sons, tentando redescobrir o que é o som, o que é a música, como é feita, como foi feita, entre outras indagações. Os compositores não são considerados "donos da verdade" e todos podem seguir uma linha de pesquisa e experimentação, partindo de qualquer pressuposto, estético ou técnico; ninguém precisa se preocupar se tal corrente terá seguidores ou será eterna e dominante. A harmonia do século 20 começa no extremo "cromatismo", vai para o "atonalismo", explora o "modalismo" (de qualquer época ou cultura), passa pelo "microtonalismo" e volta várias vezes ao "tonalismo", sempre com muita experimentação. O tratamento da melodia é variadíssimo por causa das pesquisas da harmonia e, principalmente, pelas descobertas de outros modelos culturais e estéticos. Para muitos compositores qualquer seqüência de sons produzido por qualquer objeto é uma melodia. Muitas composições até mesmo NÃO tem melodia conforme o padrão erudito, o que foi chamado de "atematismo". O neoclassicismo nasceu como uma reação à música do século 19 (romantismo) e a algumas correntes da sua época (contra Debussy e Schoenberg, por exemplo), sendo a tendência dominante entre as décadas de vinte a quarenta do século 20. Muitos compositores tinham dificuldade em aceitar as inovações atonais. Deste modo criticaram as obras de grande proporções e de grandes conjuntos, a música programática, o ultracromatismo, o atonalismo e seus derivados e o experimento personalista de novas escalas. Foi chamada, conforme o país ou grupo de compositores com o mesmo ideal, estudo ou jargão crítico, de "neotonalismo", "neobarroco", "nova objetividade" e outros epítetos. E adotaram os lemas: "Torniamo all'antico !" ("voltemos aos antigo" em italiano) ou "Retour à Bach !" ("retorno a Bach" em francês). Coincidentemente nesta época as obras dos períodos Renascentista e Barroco estavam sendo descobertas, e executadas e gravadas. Neoclassicismo Politecnica A partir dos anos 70, os compositores, diante da profusão de técnicas passadas, recentes e experimentais, puderam escolher o que mais lhes interessavam, até misturando algumas delas num único trecho musical. Tonalismo, serialismo, rock, eletroacústica, forma-sonata, aboio, improvisação, entre tantas outras opções, podem fornecer o material para uma composição musical. Alguns críticos sugerem o nome "pós moderno" para esta corrente. Mas este termo se refere apenas a obras, a partir dos anos 90, que juntam elementos diversificados dando ênfase a modelos tradicionais (sejam eruditos, populares ou étnicos), numa espécie de "neo-classicismo cibernético" (há ainda as excrescentes denominações "world music" e "new age" para confundir o público!). Muitas tendências não aceitam estes rótulos, porque trabalham seriamente com estéticas de ponta, mesmo buscando estruturas de diversas procedências, mas redimensionando-as e não como soluções preguiçosas e facilitadas. Além disso, no processo atual de mundialização, o objetivo perseguido pelo compositor verdadeiramente criativo é fazer uma música abstrata e pura, possível de ser tocada e entendida igualmente em todos os lugares. Podemos dividir a música atual em várias subtendências, sem esquecer, todavia, de todas as correntes anteriores: - Atonal/pós-serialista: uma música com elementos experimentais dodecafônicos e serialistas - Atonal/atmosférica: uma música em que a densidade ou harmonia é muito indefinida, refinada e sutil, com o uso de escalas pessoais, modais ou microtons, com técnicas orquestrais não tradicionais, além da flexibilidade rítmica e com muita variedade de caracteres internos - Tonal/lírica: tonalismo experimental com melodias amplas, introspectivas ou meditativas - Tonal/rítmica: tonalismo experimental com ritmos enérgicos. Seculo XX Esse movimento surge na França, em meados do século XIX, como um novo modo de percepção do mundo, que se reflete principalmente na música e nas artes plásticas. A arte do extremo oriente fonte de inspiração dos impressionistas se revela na valorização da sonoridade dos instrumentos musicais e dos jogos harmônicos. O principal representante desse movimento é Claude Debussy (1862-1918), que se afasta das temáticas épicas do romantismo. Retoma, em seu quarteto de cordas, elementos modais da música européia do passado, escalas de origem oriental e uma sucessão de acordes que recombinam as notas como modo de modificar o colorido harmônico. Exerce influência sobre Maurice Ravel (1875-1937), Erik Satie (1866-1925) e diversos compositores de movimentos nacionais, como o brasileiro Heitor Villa-Lobos (1887-1959), o húngaro Bela Bartok (1881-1945) e o russo "?gor Stravinski (1882-1973). Impressionismo Existem muitos compositores que inventaram diversas técnicas, desenvolveram novos procedimentos, experimentaram vários conceitos de diferentes origens e, devido à sua versatilidade, é impossível classificá-los em alguma corrente específica. A maior parte deles nasceu no final do século 19 e faleceu em meados da década de 70 ou de 80, sendo que conheceram e praticaram os gêneros passados com novidades do século 20. Alguns ainda foram professores de outros compositores atuantes hoje em dia, e, deste modo, serviram de ponte entre gerações. Neo-Expressividade Composição orquestral, de um só movimento, geralmente baseado em algum poema, romance ou mesmo um quadro. O "poema sinfônico", com a mesma intenção da sinfonia de programa, tem, em sua maioria, um andamento. Aqui o tratamento formal é livre. Para dar unidade à obra faz-se uso de um ou mais temas cíclicos. Foi Liszt que criou este termo e, além dele, Richard Strauss (1864/1949) compôs importantes peças. Os compositores nacionalistas se aproveitaram deste gênero para exaltar a sua pátria: Bedrich Smetana (1824/1884), Alexander Borodin (1833/1887) e Nikolay Rimsky-Korsakov (1844/1908), entre outros. Às vezes o compositor distribuia o roteiro ao público e outras vezes deixava propositadamente vaga a idéia da qual fez a música. Poema Sinfonico devido ao impasse criado pela música serialista integral, os compositores procuraram soluções para superar as escalas e durações, atirando-se no continuum espaço-temporal das pesquisas concretas e eletrônicas. Essas últimas tendências se rivalizaram como proposta para a solução do impasse, mas com a chegada do auxílio do computador, elas se fundiram na chamada música eletroacústica, no começo da década de 60. Estas quatro tendências fizeram circular um novo tipo de terminologia musical, unindo leis científicas e criatividade artística. Alguns exemplos: - som branco ou ruído branco: soma de todas as freqüências audíveis; - som puro: som sem a série harmônica; - equalizador: aparelho para regular diversos detalhes do som como grave ou agudo, estéreo ou mono, volume etc...; - sequenciador: aparelho que possibilita a edição de uma música; - looping ("volta" em inglês): som que se repete interminavelmente; - envelope: desenvolvimento da amplitude de um evento sonoro no tempo, que compreende quatro fases: ataque (fase inicial do som), decay ("queda" em inglês - fase em que ocorre uma pequena queda de energia entre o ataque e a sustentação), sustain ("sustentação" em inglês - fase em que o som permanece durante um período de tempo) e extinção (fase entre a sustentação e o desaparecimento do som); - sample ("amostra" em inglês): exemplo gravado de um objeto sonoro; - acusmática ("som escondido" em grego): música que se ouve de aparelhos e não feita por pessoas tocando instrumentos. Estúdios de música concreta, eletrônica, computadorizada e eletroacústica foram fundadas em diversos países da Europa, Estados Unidos, Canadá, Japão etc... No Brasil temos o de eletroacústica da Universidade Estadual de São Paulo (USP), fundado em 1987. Devemos lembrar que, antes do surgimento destas correntes, instrumentos acústicos já tinham sido eletrificados, tais como o órgão, o violão ("guitarra" para os europeus) e o contrabaixo. E tinham sido inventados novos, por exemplo: Ondas Martenot (um instrumento de teclado), o Trautonium (também de teclado), o Thereminvox (consiste numa haste de metal e, conforme mexemos a mão perto dela, produz tipos diferentes de sons) etc... Eletroacustica Perfomatica A música performática é caracterizada por gestos e atitudes de todos os tipos: andar de velocípede, gritar dentro de um piano, comer uma banana, falar sem parar qualquer coisa, cumprimentar as pessoas do público, sentar e ler um livro, soltar borboletas e até tocar uma música comum num instrumento musical comum, entre outras milhares de opções, com ou sem a participação, consciente ou não, do público. Alguns a chamam de "ação musical". Surge, na década de 60 de influências recebidas de Satie, Cage, futurismo, dadaísmo, surrealismo, correntes de vanguarda das Artes Plásticas, do happening ("acontecimento" em inglês - tipo de espetáculo teatral que ocorre em ruas e praças com um roteiro básico, realizado com participação ativa ou inconsciente do público) e da cultura popular. Se por um lado, para muitos críticos, possa parecer imaturidade, caos, vazio de proposta artística, simples diversão e modismo passageiro, por outro lado, rompe a previsibilidade, revela a surpresa e o inusitado, alegra com a sátira e o deboche, reduz a extrema solenidade de nossas audições acadêmicas e revitaliza a platéia acomodada, pasmacenta, passiva, dormente e bocejante. Futurismo Em 1914, na cidade de Milão, o compositor "futurista" Luigi Russolo (1875/1947) saudava a velocidade e o ambiente urbano-industrial, dando um concerto com os intonarumori ("produtores de ruídos" em italiano), aparelhos que produziam roncos, assobios, silvos e outros sons. No programa constavam as seguintes músicas: "Amanhecer na metrópole" "Encontro entre carros e aviões" "Um jantar no terraço do cassino" "Tumulto no oásis" No final do concerto aconteceu uma briga entre os artistas e a platéia. E, junto com seus colegas de estética, entre eles outro compositor futurista Francesco Balilla Pratella (1880/1955), continuou a fazer concertos pela Europa. Infelizmente não existem mais as partituras, gravações e nem os instrumentos, pois os fascistas italianos destruíram tudo. Esta corrente é considerada como uma das antecessoras da música concreta. Miniaturas musicais Ao lado das obras instrumentais de longa duração, há uma quantidade imensa de músicas que são curtas, geralmente com três a cinco minutos, mas que nos revelam uma densidade musical muito profunda. São chamadas de "miniaturas". A forma geral destas peças é: (INTRODUÇÃO) A B A (CODA).Normalmente há episódios modulantes e trechos de virtuosidade e brilhantismo entre uma seção e outra. Podemos agrupá-las em duas categorias: · Miniatura com característica (onde a reconhecemos pelo título, pelo ritmo ou pela sua funcionalidade, mesmo deslocada na sala de concerto). Exemplos: marcha (militar, fúnebre, nupcial, etc...), dança (valsa, mazurka, escocesa, etc...), noturno, rapsódia e estudo; · Miniatura sem característica, cuja denominação não nos explica sua intenção ou estrutura. Eis alguns exemplos: momento, improviso, capricho, prelúdio e fantasia. Estas peças eram editadas em coleções chamadas álbuns ou ciclos. Eletronica Nos anos finais da década de 40 e início da década de 50, alguns cientistas de diversas áreas e músicos trabalharam nos estúdios da rádio de Colônia (Alemanha), desenvolvendo técnicas de manipulação sonora. A base principal da música eletrônica é que os sons são criados em aparelhos chamados geradores de ondas. Saturados com planejamentos, tabelas, séries, partituras, laboratórios, cálculos e gravações, muitos compositores propuseram uma nova estética baseada na improvisação e na indeterminação. Esta tendência, surgida na década de 50, recebeu influências do jazz, da prática da música popular, folclórica e étnica, de Satie, de Ives, do surrealismo, do dadaísmo e de correntes de vanguarda das Artes Plásticas e do Teatro. Tratam-se de obras abertas, nas quais existem os princípios de estrutura variável e do acaso. Há várias subtendências: - o compositor abandona os procedimentos técnicos "tradicionais" de composição (melodia, escala ou série, ritmo, por exemplo) e parte de fontes não-musicais: jogo de dados (alea em latim), cartas de um baralho, símbolos esotéricos ou matemáticos etc... Daí escreve a composição e, apesar de partir destas bases, ele entrega uma obra integralmente fechada ao executante; exemplo: "New York Skyline Melody" (1944) de Villa-Lobos, na qual ele milimetrou uma fotografia dos prédios daquela cidade norte-americana e atribuiu alturas e durações conforme o tamanho do edifício; - o compositor pode deixar trechos em branco, para que sejam improvisados, ou partes alternativas, para que o executante possa escolher uma delas; assim o executante torna-se co-autor; é esperado e desejado que a peça não seja a mesma em outra apresentação, existindo sempre versões da música; exemplos: "Jogos Venezianos" (1961) de Witold Lutoslawski (1913/1993) ou "Sonata para piano no. 3" (1957) de Pierre Boulez (1925), entre outros.; - o "compositor" escreve um roteiro, faz um desenho, mostra uma fotografia ou pintura, entrega um papel, mesmo que em branco... isto se houver ainda algum material a ser entregue ao executante ! ; o executante faz e acontece, não existindo início, meio e final da composição como a conhecemos até hoje; é o acaso total; alguns compositores: John Cage (1912/1992), David Tudor (1926) e outros. Aleatoria Musica de Camara A origem da sonata clássica está no cruzamento da suíte com a abertura italiana, mais a trio-sonata barroca. Na segunda metade do século 18, sonatas para instrumento solo (geralmente para teclado) eram compostas, normalmente, em três andamentos, acrescentando, mais tarde, o "minueto e trio". Sonatas para mais instrumentos (genericamente denominadas "música de câmara"?) recebem nomes específicos, de acordo com o número de instrumentos: Dois ..................................duo Três ..................................trio Quatro ..............................quarteto Cinco ................................quinteto Seis ..................................sexteto Sete ..................................septeto Oito ...................................octeto Nove .................................noneto Combinações para dez ou mais instrumentos recebiam os nomes de serenata, divertimento, cassação e outros, dependendo da utilidade, instrumentação e destinatário. Muitas sonatas a solo para instrumento melódico (violino, flauta ou oboé, por exemplo) tinham acompanhamento obbligato ("obrigatório" em italiano) de instrumento harmônico (piano, clavicembalo, cravo, órgão etc...). Classico Seguindo o modelo ternário, a forma-canção é derivada da ária-da-capo e do "lied" (um tipo de canção folclórica alemã). O seu esquema é o seguinte: - SEÇÃO A: tema principal - SEÇÃO B: tema secundário - SEÇÃO A"?: tema principal com alguma mudança de aspecto (melódico, instrumental, etc...) Com o tempo, os compositores passaram a colocar uma introdução, pontes modulatórias, codettas e coda final. Cancao Erar tocada nos saraus, com o cravo ou clavicórdio como contínuo. Sonata da Câmara A reexposição é a reprodução do início da música. Algumas outras seções podem ser incluídas excepcionalmente: prelúdio, fantasia e/ou toccata, ária e coda final. Reexposicao Rondo Esta forma foi desenvolvida, desde a Idade Média, a partir da correspondente forma poético-musical. É uma sucessão de refrães (ou estribilhos) e estrofes (ou coplas). Tem o seguinte esquema básico: A B A B A Em música, a seção A é chamada de tema principal e está sempre no tom principal. A seção B é denominada episódio e sempre está numa tonalidade secundária. Os compositores podem optar por colocar mais episódios, daí este esquema assume vários aspectos; por exemplo: A B A C A B A A B A B A C A A B A C A D A O tema principal pode reaparecer ligeiramente modificado em suas "nuances"?. A palavra "classe" indicava o cargo militar e a posição social de cada indivíduo na sociedade romana e o condicionava a um grau de instrução específico. Na Idade Média e, depois, no Renascimento, passou a designar as obras filosóficas, jurídicas e literárias produzidas pelos gregos e romanos que deveriam ser lidas, estudadas e apreciadas nas universidades. Na História da Arte, derivando-se desta situação, passou a designar toda obra produzida entre os séculos 14 e 18 inspirada na estética greco-romana. Atualmente, clássico é o conceito que damos a qualquer obra, independente de época, estilo ou origem, considerada modelar, pioneira e de qualidade, reveladora da inteligência e sensibilidade humanas. A expressão "música clássica" é, comumente, sinônimo de música erudita. Minueto-e-Trio Os compositores utilizavam-se muitas vezes do minueto para dar um caráter mais ameno e gracioso a uma peça, aliviando assim um pouco o cerebralismo das outras formas. Entretanto, mesmo mantendo o seu caráter original, não serve para dançar. A seqüência obedece ao esquema: MINUETO (tom principal) - TRIO (tom secundário) - MINUETO (repetição do início) O trio (ver explicação sobre este termo na suíte barroca) é um segundo minueto e as diferenças entre os dois é a seguinte: - MINUETO - é vivo, forte e com orquestração cheia; - TRIO – é calmo, leve e com poucos instrumentos. Haydn, nas suas últimas obras, começou a substituir o ritmo do Minueto (uma dança que estava saindo da moda no final do século 18) pelo Scherzo ("brincadeira" em italiano), uma peça livre com caráter mais rítmico e jocoso, seguido por um Trio, mais terno. A música deste período é tonal, isto é, todos os acordes são trabalhados em vista de suas funções. Esta organização, que foi feita por Bach, Rameau e outros do final do século 17 e início do século 18. Na vida profissional, os músicos passaram a lutar por mais independência em relação à nobreza e ao clero, mas estes permaneciam como os principais empregadores. Entretanto, vários compositores já se associavam a empresários ou a editores ou eles mesmos já faziam este serviço (Haydn e Clementi, por exemplo). Alguns tentaram ser "free-lancers" (Mozart). 1810 1750 Era tocada em igrejas católicas, com o órgão como contínuo. Sonata da Chiesa Romance É a ornamentação de um tema, geralmente de cárater "cantábile"?, passando-o por várias tonalidades. Muitas vezes esta forma é fundida com a forma-canção. Mozart, Haydn, Beethoven, entre outros, a utilizaram em seus andamentos lentos. Pequena dança de origem francesa, de compasso 3/4, muito usado por Mozart. Aliás, até a Primeira Sinfonia de Beethoven, o minueto era obrigatório como terceiro movimento. Minueto Prato Derivados dos címbalos, discos metálicos usados no Egito Antigo, foram introduzidos na Europa durante a Idade Média. Medem cerca de 50 cm. de diâmetro e são percutidos com uma vareta ou chocados um contra o outro, podendo então produzir uma sonoridade que se sobrepõe a toda a orquestra. Quando executados pelo mesmo instrumentista que toca os tímpanos, um dos pratos pode ser fixado a um suporte, fazendo-se que o outro caia sobre ele, por meio de um pedal. Os pratos foram introduzidos na orquestra sinfônica no século XVIII, por Cluck. Entre os românticos, o seu uso se popularizou. Conjunto de lâminas ou tubos dispostos numa armação e percutidos por uma espécie de martelo, o carrilhão aperfeiçoou-se e difundiu-se no século XVI. A extensão das notas varia muito, não chegando, entretanto, a alcançar mais de 2 oitavas. Possui sons diatônicos e cromáticos. A percussão também pode ser feita por mecanismo de teclado, recebendo então o nome de celesta. Nesta, as teclas acionam martelos que percutem lâminas metálicas, produzindo um som límpido. Alcança 5 oitavas (dó1 a dó6). Carrilhão É um instrumento de cordas dedilhadas e teve sua origem no alaúde ou, mais provavelmente, na mandola. Apareceu no fim do Renascimento e seu uso se generalizou no século XVIII, primeiro na Itália e depois no resto da Europa. Constitui-se de uma caixa de ressonância com a tábua do fundo abombada e um braço curto com trastes, que termina numa cravelha. Apareceram vários tipos de bandolim, mas o mais difundido é o napolitano que tem 4 cordas duplas, afinadas como no violino. Bandolim Construído no século XVI, à maneira do violino e para ser tocado como a viola de gamba, pelos mestres italianos Andres Amati, Gasparo da Salò, Maggini e outros, esse instrumento de timbre grave e aveludado tinha a função de reforçar os baixos da orquestra. Em seus primórdios, exercia papel secundário, sendo utilizado ora como baixo contínuo, juntamente com o cravo, ora como simples pedal da orquestra. Somente a partir do final do século XVII é que se firmou como instrumento solista, substituindo a "viola de gamba?. De estrutura semelhante à do violino e à da viola, diferencia-se destes pelo comprimento (1,19 m.), como também pela caixa de ressonância, proporcionalmente mais funda. Possui 4 cordas afinadas uma oitava abaixo das cordas da viola, também em quintas (dó1, sol1, ré2 e lá2), e seu registro médio é de 3 oitavas e meia. A princípio, o corpo do violoncelo variava de dimensões. O comprimento atual foi fixado no século XVII, por Stradivarius. Assim como o violino e a viola, é indispensável na orquestra sinfônica e no quarteto de cordas. Violoncelo Flauta Transversal Um dos instrumentos mais antigos, a flauta transversal utilizada regularmente na moderna orquestra sinfônica, surgiu no século IX, antes de Cristo, provavelmente na "?sia. Introduzida na Europa ocidental através da cultura bizantina, no século XII depois de Cristo, era geralmente associada à música militar. Somente na segunda metade do século XVII é que passou a integrar a orquestra. A moderna flauta transversal nasceu das transformações operadas no antigo instrumento pelo alemão Theobald Boehm, por volta de 1840. Feita em metal, geralmente prata, constitui-se de um tubo cilíndrico de 67 cm. de comprimento por 19 mm. de diâmetro. Divide-se em 3 partes: cabeça ou bocal, corpo e pé. O bocal tem por função manter rigorosamente o equilíbrio da afinação; o corpo e o pé contêm orifícios e chaves, cuja finalidade é diminuir ou aumentar o comprimento da coluna de ar no interior do tubo. Soprada lateralmente, seu alcance é de 3 oitavas (dó3 a dó6). Tem sido tratada como instrumento solista e como instrumento da orquestra, sendo o mais agudo entre os membros regulares do grupo das madeiras. É uma variante do Xilofone. O glockenspiel constitui-se de lâminas de aço dispostas em duas fileiras horizontais, percutidas por uma baqueta, denominada "maceta"?. Alcança duas oitavas e meia (sol3 a dó6 ou sol2 a dó5). Glockenspiel Castanhola Também de origem oriental, provavelmente fenícia, as castanholas se disseminaram pela Espanha, transformando-se em instrumento típico do país. Constitui-se de duas peças de madeira, marfim ou ébano, em formato de concha, unidas por uma fita ou cordão, que o instrumentista enrola entre os dedos. O som é produzido, percutindo-se uma contra a outra. Comum nas orquestrações de compositores espanhóis. Vibrafone Derivado, provavelmente, do glockenspiel, o vibrafone surgiu por volta de 1920. Possui lâminas de aço vibradas por martelos também de metal. Sob cada lâmina, há um ressonador operado eletricamente, que amplia e confere maior nitidez ao som. Possui timbre doce e aveludado. De origem oriental, constitui-se de um disco metálico, geralmente de bronze, suspenso, que se faz vibrar, batendo-se com uma baqueta ou martelo, sobre as extremidades ou no centro. Produz som forte e de altura indefinida. Foi introduzido na orquestra sinfônica em fins do século XVIII. Sendo mais utilizado pelos compositores contemporâneos, geralmente em momento de clímax ou para sugerir desespero. Tantã Bombo Conhecido também como grande tambor, constitui-se de uma caixa circular de madeira ou folha de ferro, coberta na parte superior e inferior por uma pele esticada, apertada nas extremidades por parafusos de pressão. Distingue-se da caixa pelo tamanho, pois é muito maior, e por ser executado em posição horizontal. É percutido por uma baqueta denominada "maceta"?. Característico das bandas militares, foi introduzido na orquestra sinfônica por Mozart, em meados do século XVIII. Flautim Originário do Oriente Médio, constitui-se de um arco de madeira, com ou sem guizos, tendo uma pele esticada na parte central. É agitado com uma das mãos ou percutido. Muito utilizado na músicas folclórica de alguns países. Também chamado de "pandeireta"?. Pandeiro Assim como os tímpanos e o bombo, a caixa é um instrumento da família dos tambores. Surgiu no século XV, como um desenvolvimento do tamborim, muito utilizado nos regimentos medievais de infantaria. De formato cilíndrico, feita de latão ou madeira, é revestida de pele de vitela, geralmente apertada por parafusos que regulam o som. Há dois tamanhos: - um maior e mais fundo, com sonoridade mais opaca; - outro, menor, é circundado por cordas metálicas, que lhe dão sonoridade mais viva e brilhante. Ambos são percutidos com uma ou duas baquetas de madeira ou com uma escova de arame, quando se quer obter efeitos especiais. Instrumento característicos das bandas militares. A caixa passou a integrar efetivamente a orquestra sinfônica, a partir do Romantismo. Caixa Foi um período de transição. As características fundamentais foram: · simplificação harmônica; · melodias baseadas ou imitadas da música folclórica; · fim do floreio vocal e instrumental; · ritmos dançantes (o minueto era a dança oficial de todas as cortes); · abandono das texturas polifônicas (imitação e fuga); · formas contrastantes entre trechos rítmicos e melodiosos. 1760 Rococo 1720 De estrutura semelhante à do oboé, distingue-se deste pelo tubo mais longo e por um esférico pavilhão em forma de pera. Desenvolveu-se a partir do oboé de caça, no século XVII. A origem do nome é desconhecida. De timbre suave, soa uma quinta abaixo do oboé e é próprio para melodias tristes e melancólicas. Embora Haydn e Beethoven tenham escrito obras para este instrumento, suas potencialidades só foram amplamente desenvolvidas por Berlioz, Wagner e Dvorák. O corne-inglês não é utilizado com muita freqüëncia na orquestra sinfônica. Corne-Ingles Violino Desenvolvido no século XVI pelos italianos Andrea Amati, de Cremona, e Gasparo da Salò, de Brescia, a partir do aperfeiçoamento do primitivo instrumento de 3 cordas, parece, à primeira vista, que, dessa época até os dias de hoje, o violino não sofreu transformações em sua estrutura. No século XVI, eram comuns violinos menores, como os chamados "pochette"?, usados pelos mestres de dança e que eram guardados nos bolsos (poches) de suas casacas. Na verdade, porém, a partir das inovações introduzidas por Antonio Stradivarius, por volta de 1700, o instrumento passou por pequenas mas significativas mudanças estruturais, para que pudesse atender às necessidades das sucessivas gerações de compositores e intérpretes. De aparência simples, é um instrumento de extraordinária complexidade, composto de quase 70 peças diferentes. Constitui-se basicamente de 4 cordas, afinadas em quintas (mi4, lá3, ré3 e sol2) e que atingem mais de 4 oitavas e meia, uma caixa de ressonância em forma de oito e um braço preso à caixa por um cepo. No interior da caixa, há há uma prancheta chamada "cadeira"? e um pequeno cilindro vertical denominado "alma"?. Ambos têm por finalidade melhorar a sonoridade, além de dar mais solidez à parte superior da caixa de ressonância, o "tampo harmônico"?, em cuja parte central encontra-se o "cavalete"?, por onde passam as cordas. Violao É um instrumento de cordas dedilhadas, sobre cuja origem não acordam os pesquisadores, embora sua presença e difusão na Espanha tenha a ver com a invasão dos árabes na Península Ibérica. Consta de uma caixa de ressonância, de um braço com 19 trastes, que termina numa cravelha. Tem seis cordas, tocadas com a ponta dos dedos ou arranhadas com as unhas. À parte de um enorme repertório especialmente escrito para ela, sua enorme difusão deve-se à sua presença constante em obras para pequenos conjuntos e muito especialmente, como instrumento solista em inúmeros concertos. Em outros países de língua não portuguesa o nome do Violão é guitarra, como pode se ver em inglês ( Guitar ), francês ( Guitare ), alemão ( Gitarre ), italiano ( Chitarra ), espanhol ( Guitarra ). Aqui no Brasil especificamente quando se fala em guitarra quer se denominar o instrumento elétrico chamado Guitarra Elétrica. Isso ocorre porque os portugueses possuem um instrumento que se assemelha muito ao Violão e que seria atualmente equivalente à nossa " Viola Caipira ". A Viola portuguesa possui as mesmas formas e características do Violão, sendo apenas pouco menor, portanto, quando os portugueses se depararam com a guitarra ( Espanhol ), que era igual a sua viola sendo apenas maior, colocaram o nome do instrumento no aumentativo, ou seja, Viola para Violão. Orgao O maior e talvez o mais versátil entre todos os instrumentos, o órgão, apesar de incluir-se entre os sopros, distingue-se destes por sua estrutura especial, que reúne tubos, teclados e pedais. Os principais estágios da evolução do primitivo órgão hidráulico grego para o órgão moderno incluem a introdução de teclas, registros e mecanismo de acionamento. Atualmente, o órgão constitui-se de 3 partes principais: - tubos – sua característica básica; - console – que abriga os teclados, geralmente em número de dois, pedais, botões para mudança de timbres e outros acessórios; - mecanismo de acionamento – são os foles. Cada tubo corresponde a uma nota e se agrupam em séries, denominadas registros, que produzem sons de alturas variadas. Quanto maior o tubo, mais grave o timbre. Há 3 tipos de registros, de cuja combinação resulta a imensa variedade de timbres e a grandiosidade sonora, característica do órgão, a saber: - os de fundo ou flautados – produzem os sons principais de flauta e de gambas; - os de mistura – enriquecem o som dos registros de fundo; - os de palheta – conferem a sonoridade brilhante do trompete, clarim, etc... Entre todos os instrumentos, o órgão é o que possui maior alcance: sete oitavas e meia. Instrumento solista por excelência, o repertório abrange obras de inúmeros compositores. Pode integrar também a massa orquestral. Oboe Instrumento antiqüíssimo, o tipo utilizado hoje nas orquestras sinfônicas surgiu na França, na segunda metade do século XVII, a partir do desenvolvimento das charamelas medievais e renascentistas. Os primeiros modelos foram fabricados pelos franceses Jean Hotteterre e Michel Philidor, e eram usados pelos músicos da corte de Luís XIV. A forma do moderno oboé, data do período de Haydn e Mozart, embora tenha sofrido algumas importantes modificações no decorrer dos séculos XVIII e XIX, como, por exemplo, o aumento de sua extensão. Constitui-se de um tubo cônico e palheta dupla, sendo o som controlado por orifícios e chaves. De timbre anasalado, distingue-se perfeitamente dentro da massa orquestral. Seu alcance é de 2 oitavas e meia, começando no si, uma oitava abaixo do dó médio. Utilizado sobretudo como integrante da orquestra sinfônica, onde é indispensável, há também considerável literatura para solo do instrumento. Muito utilizado por alguns compositores contemporâneos como instrumento de percussão. O piano (o mais versátil dos instrumentos) é, na verdade, um instrumento de cordas percutidas, munido de um maquinismo e de uma grande caixa de ressonância. O maquinismo é o complexo aparelho que faz vibrar as cordas e se compõe, basicamente, de teclas, escapes, martelos, abafadores e pedais. O som é produzido pela pressão das teclas, que acionam martelos de madeira recobertos com feltro, que, por sua vez, percutem as cordas. O princípio essencial do mecanismo do piano é a independência do martelo em relação às teclas. Depois de percutir a corda, o martelo afasta-se, para que ela possa vibrar, mesmo que a tecla continue a ser pressionada. Esse dispositivo é denominado "duplo escapa"? e permite a repetição de uma mesma nota quantas vezes for necessário. Os abafadores (feltros que recobrem os martelos) servem para impedir a mistura dos sons. O piano é dotado de dois pedais: - o direito, mais importante, quando pressionado, permite que as cordas permaneçam vibrando, mesmo que se retirem os dedos que pressionam as teclas; - o esquerdo, denominado "surdina"?, tem por função diminuir o brilho da sonoridade. Um dos instrumentos de maior alcance (só é excedido pelo órgão), seu registro estende-se por 7 oitavas e um quarto. Indo de lá2 a dó7. Atualmente, existem dois modelos básicos: o piano de armário, com cordas verticais e 85 teclas e o de cauda, com cordas horizontais e 88 teclas. O antecedente do piano é o clavicórdio, que apareceu no século XV, mas a primeira referência ao piano foi publicada em 1711, por motivo de sua apresentação a público por seu inventor Bartolomeu Cristofori, em Florença. Neste mesmo século, foi aperfeiçoado por Silberman e Stein, na Alemanha, que introduziram os pedais e o mecanismo de escape. No século XIX, com o aparecimento das grandes salas de concerto, que exigiam ampliação da sonoridade, o instrumento adquiriu sua forma definitiva. Piano A marimba, de origem africana e desenvolvida na América Central, é um instrumento usado sobretudo pelas orquestras típicas populares de alguns países centro-africanos. Integra, por vezes, o aparato percussivo das orquestrações de alguns compositores contemporâneos. Seu timbre é um pouco mais grave que o do xilofone. Alcança 4 oitavas, começando no dó abaixo do dó médio Marimba O clavicêmbalo ou cravo também pertence a este epígrafe. Trata-se de um instrumento de teclas, cujas cordas são premidas por puas, mediante um mecanismo que é acionado no teclado pelo intérprete. Cada tecla está unida a uma peça de madeira, chamada martinete, na qual há fixa uma pua, que oprime a corda correspondente, ao ser acionada pela tecla. O clavicêmbalo italiano aparece nos fins do século XV e estende-se por toda a Europa, com ligeiras variantes. Sua presença habitual na música prolonga-se até depois de entrado o século XVIII, quando é, pouco a pouco, substituído pelo piano. Com a tendência surgida há alguns anos de se recuperarem os instrumentos originais, voltou a ocupar seu posto de solista nos concertos com orquestra e, desde o princípio do século XX, mereceu a atenção dos compositores para obras concretas. Cravo O mais agudo entre os metais, o trompete se originou, provavelmente, no Egito Antigo, no II milênio antes de Cristo, tendo adquirido importância como instrumento musical a partir do século XVII, ao ser introduzido na orquestra. Sua forma atual data da primeira metade do século XIX, quando os fabricantes alemães Blühmel e Stölzel criaram o sistema de 3 pistões, que tornou o instrumento mais versátil, aumentando seu registro e tornando sua execução menos difícil. Pode ser afinado em ré ou, mais comumente, em si bemol ou dó. Consiste num tubo cilíndrico recurvado sobre si mesmo, em cujas extremidades ficam o pavilhão e o bocal. A qualidade do som pode ser modificada com a surdina, peça de madeira introduzida no pavilhão. Alcança 2 oitavas e meia, começando do fá abaixo do dó médio. Tem sonoridade brilhante e penetrante. É muito usado pelos compositores em uníssono com as cordas e as madeiras da orquestra, como também em solos. Trompete Surgiu no final do século XVII, a partir do aperfeiçoamento da charamela, levado a cabo por Johann Christopher Denner, conhecido fabricante de flautas de Niremberg. No século seguinte, passou a integrar a orquestra sinfônica. Por volta de 1840, atingiu sua estrutura definitiva, com a introdução do sistema de chaves de Theobald Boehm, que já havia sido aplicado com sucesso na flauta. Constitui-se de um tubo cilíndrico dividido em 4 partes: pavilhão, corpo inferior, corpo superior e barrilete. Neste está embutida a boquilha, na qual se adapta uma palheta simples. Criado em 1810, o clarinete-baixo ou clarone também é utilizado na orquestra sinfônica, embora com menor freqüência. Distingue-se do clarinete propriamente dito, pelo pavilhão recurvado e pelo diapasão mais grave. Clarinete Tuba O mais grave entre os metais, a tuba surgiu por volta de 1835, em Berlim, inventada por Wilhelm Wieprecht e construída por Johann G. Moritz. No entanto, o modelo mais comumente empregado na orquestra foi desenvolvido, por volta de 1845, pelo belga Adolphe Sax. Consiste num tubo cilíndrico, recurvado sobre si mesmo, e que termina num pavilhão em forma de sino. O som é controlado por válvulas ou pistões, cujo número varia de 3 a 5. De timbre suave e surpreendentemente ágil, apesar de seu grande porte, a tuba foi introduzida na orquestra por volta de 1850. É afinada em fá e alcança 3 oitavas (fá1 a fá3). Indispensável na orquestra sinfônica, foi por vezes utilizada em solos orquestrais. É muito usada também nas bandas militares. A "tuba wagneriana"?, idealizada por Wagner para a sua tetralogia O anel dos Nibelungos, possui estrutura semelhante à da trompa ( bocal e pavil!ão recurvado). É afinada em si bemol e em fá e sua extensão vai do mi bemol1 ao ré4. Além de Wagner, Bruckner, R. Staruss e Stravinsky utilizaram-na em algumas de suas obras. Trompa Surgiu na França, por volta de 1650. Como um desenvolvimento da trompa de caça, que, por sua vez, se originou dos primitivos instrumentos feitos com chifres de animais. Já no final do século XVII foi integrada à orquestra. Consiste num longo tubo cilíndrico de 2 metros, recurvado sobre si mesmo numa espiral de duas voltas. Na extremidade mais estreita, localiza-se o bocal, em forma de funil, e, na outra, o pavilhão. O som é controlado por 3 válvulas, incorporadas ao instrumento no início do século XIX pelos fabricantes Blühmel e Stölzel (alemães) e Leopold Uhlmann (austríaco). Esse mecanismo permitiu a execução de todos os sons cromáticos da escala. A trompa emite um som aveludado e suave e sua afinação é em fá ou si bemol. Alcança 2 oitavas e uma Quinta (si3 a fá4). Considerada indispensável na orquestra a partir de 1830, foi utilizada também como solista por inúmeros compositores. Um dos efeitos utilizados na trompa é a "surdina"?, que se consegue quando o intérprete coloca a mão ou uma peça de madeira no pavilhão, obtendo um apagamento do som. Formado por lâminas de madeira de tamanhos variados, dispostas em fileiras horizontais, seu alcance varia de modelo para modelo. Os maiores atingem 4 oitavas, a partir do dó médio. É percutido por meio de 2 baquetas, obtendo-se trinados, trêmulos, arpejos e repetição rápida de uma mesma nota. Xilofone Antiguidade Os compositores, em sua maior parte, são free-lancers, vivendo de encomendas e direitos autorais, ligam-se a editoras, sociedades musicais (orquestras ou casas de espetáculos) ou dão aulas em conservatórios, escolas e universidades. Também trabalham na rádio, televisão, no cinema e na publicidade. Em regimes totalitários (por exemplo, no nazismo - 1933/1945 - ou no regime soviético - 1917/1991) eram empregados do Estado. Por influência da música popular (danças e canções urbanas), há uma supervalorização, de cunho mercadológico, de intérpretes (regentes, instrumentistas e cantores), em detrimento de compositores. A formação de um compositor é universitária, não significando, porém, uma certeza de qualidade da obra, nem de sua profundidade musical ou mesmo de criatividade. Do nascimento de Cristo 400 DC A noção que hoje se tem da música como "uma organização temporal de sons e silêncios" não é nova. Civilizações muito antigas já se aproximaram dela, descobrindo os elementos musicais e ordenando-os de maneira sistematizada. Os historiadores têm encontrado inscrições as quais indicam que um caráter nitidamente ritualístico impregnava a maior parte da criação musical da Antigüidade. Por muito tempo as formas instrumentais permaneceram subdesenvolvidas. Predominava a música vocal. Essa forma, adicionando à música o reforço das palavras, era mais comunicativa e as pessoas assimilavam-na melhor. Assim se explica o grande desenvolvimento que atingiu entre os antigos. Os povos de origem semita cultivavam a expressão musical, tornando-a bastante elaborada. Os que habitavam a Arábia, principalmente, distinguiram-se pela criatividade. Possuíam uma ampla variedade de instrumentos e dominavam diferentes escalas. Segundo parece, tocavam sobretudo para dançar, pois foi entre eles que surgiu a "Suíte de Danças", um gênero que sobrevive ainda hoje. A Bíblia mostra que também os judeus tinham a música como hábito. Davi fala sobre ela nos "Salmos", e diversas outras passagens bíblicas contêm menções a respeito. Na China, o peculiar era a própria música, devido à sua monumentalidade. Os chineses utilizavam nada menos que 84 escalas (o sistema tradicional da música ocidental dispunha de apenas 24). A variedade da sua instrumentação era imensa. E já por volta do ano 2255 a.C. o domínio sobre a expressão musical atingia tal perfeição entre eles, que sua influência se estendia por todo o Oriente, moldando a música do Japão, da Birmânia, da Tailândia e de Java. Harpa Um dos instrumentos de corda mais antigos, a harpa já era usada pelos egípcios no século II antes de Cristo, em forma semelhante à atual. Trazida para o Ocidente na Idade Média, foi introduzida no século XV nas cortes reais européias. Em meados do século XVII, fabricantes tiroleses acrescentaram à harpa um dispositivo mecânico que, acionado pelas mãos do intérprete, elevava a altura das notas em meio-tom. Por volta de 1720, o alemão G. Hochbruker construiu um modelo com pedais acoplados à base do instrumento, permitindo as alteração das notas em meio ou um tom. O moderno mecanismo com 7 pedais, correspondentes às sete notas, foi criado pelo francês Sébastien Érard e recebeu seus últimos retoques em 1820. A harpa utilizada nas orquestras sinfônicas atuais contém cerca de 46 cordas presas a uma armação triangular. Seu registro abrange seis oitavas e meia (dó bemol1 a sol bemol6). Usada como instrumento solista por alguns compositores, foi amplamente empregada na orquestra sinfônica por uma gama interessante de compositores. Triangulo O menor dos instrumentos de orquestra, consiste numa vareta de ferro dobrada em formato de triângulo. É percutido com uma baqueta também de ferro. Os sons emitidos, sempre agudos, podem ser curtos e isolados ou formar uma cadeia semelhante à do trinado, provocada por batidas rápidas e sucessivas. Conhecido na Europa no século XIV, só foi empregado na orquestra a partir do século XVIII, por Mozart. Flauta Doce Com freqüência é conhecida como flauta de bico, por tradução direta de seu nome francês: flût a bèc. Bastante utilizada em orquestras que utilizam os chamados instrumentos originais, com a recuperaçãao da música do passado, em especial do período barroco. São construídas de madeira, como no passado, com a sua forma ligeiramente cônica e a sua parte mais estreita para o final. No extremo superior, têm um corte chanfrado reto, pelo qual o intérprete sopra através da boquilha, com o instrumento colocado na posição vertical. O corpo sonoro tem uma série de orifícios que o intérprete de obturar ou deixar abertos, para encurtar ou alongar o comprimento da coluna de ar. As flautas doces estão formadas por uma ampla família, conforme o seu tamanho, isto é, conforme o comprimento do tubo sonoro, que vai desde a sopranino, no agudo, até a grave ou baixa, que tem alcance muito amplo Antes de Cristo Até o nascimento de Cristo Pre-Historico Quando nasceu a música? - Como as primeiras manifestações musicais não deixaram vestígios, é praticamente impossível responder. Alguns estudiosos nem tentam; outros enfrentam o problema com base naquilo que se sabe sobre a vida humana na Pré-história e preenchem as lacunas com certa dose de imaginação. Mas nenhuma hipótese diz com exatidão o momento em que os primitivos começaram a fazer arte com os sons. Ao que parece, o homem das cavernas dava à sua música um sentido religioso. Considerava-a um presente dos deuses e atribuía-lhe funções mágicas. Associada à dança, ela assumia um caráter de ritual, pelo qual as tribos reverenciavam o Desconhecido, agradecendo-lhe a abundância da caça, a fertilidade da terra e dos homens. Com o ritmo criado - batendo as mãos e os pés -, eles buscavam também celebrar fatos da sua realidade: vitórias na guerra, descobertas surpreendentes. Mais tarde, em vez de usar só as mãos e os pés, passaram .a ritmar suas danças com pancadas na madeira, primeiro simples e depois trabalhadas para soarem de formas diferentes. Surgia, assim, o instrumento de percussão. Os barulhos da natureza deviam fascinar o homem desses tempos, dando-lhe vontade de imitar o sopro do vento, o ruído das águas, o canto dos pássaros. Mas, para isto, o ritmo não bastava. E o artesanato ainda não permitia a invenção de instrumentos melódicos. De modo que estranhos sons tirados da garganta devem ter constituído uma forma rudimentar de canto, que, junto com o ritmo, resultou na mistura de palmas e roncos, pulos e uivos, batidas e berros. Era o que estava ao alcance do homem primitivo. E terá sido um estilo que resistiu a séculos. Contudo, segundo os atuais conceitos de música, essas tentativas de expressão foram demasiadamente pobres para se enquadrarem na categoria de arte musical. Mas, do ponto de vista histórico, elas tiveram uma importância enorme. Porque a sua rítmica elementar acompanhou o homem à medida que este se espalhava sobre a Terra, formando culturas e civilizações. E evoluiu com ele, refletindo todas as transformações que a humanidade viveu até chegar a ser como é agora. Serialismo Integral O serialismo integral é o limite extremo do dodecafonismo e apareceu no final da década de 40 em vários lugares simultâneos (França, Alemanha e Estados Unidos). Esta tendência foi uma conseqüência da obra de Schoenberg (série de alturas), de Webern (que unia a série de alturas com a de timbres) e de Messiaen (que uniu a série de alturas com a de dinâmicas e durações na sua peça "Modos de valores e de intensidades" - 1949). Criticando a superficialidade da revolução provocada por Schoenberg, que só se preocupou com as alturas, esta corrente propõe que todos os parâmetros do som (as durações, as dinâmicas, os timbres e as velocidades, além das alturas é lógico) sejam organizados em séries e combinados entre si. A resultante sonora destas obras são como pontos sonoros isolados no tempo e no espaço. Saxofone Criado em 1840 pelo belga Adolphe Sax, o saxofone é o único entre os sopros de metal que possui palheta. Constitui-se de um tubo cônico com cerca de 24 orifícios controlados por chaves, que permitem a produção dos diferentes sons do registro do instrumento. Esse tubo termina num pavilhão largo, voltado para cima. Existem 7 tipos: - sopranino – afinado em mi bemol; - soprano – afinado em si bemol; - contralto – afinado em mi bemol; - tenor – afinado em si bemol; - barítono – afinado em mi bemol; - baixo – afinado em si bemol; - contrabaixo – afinado em mi bemol. Somente o soprano, contralto, tenor e barítono são usados com freqüência, formando o quarteto comum dos grupos instrumentais de dança e jazz. Introduzido na orquestra sinfônica no final do século XIX, popularizou-se entre os compositores eruditos como Rossini, Berlioz e Meyerbeer, com preferência para o sax contralto. Seu registro alcança 2 oitavas e uma Sexta, começando do si bemol abaixo do dó médio. Não é membro permanente da orquestra sinfônica, mas seu repertório é vastíssimo, com muitas obras para solo. Alaúde, na realidade, é o nome genérico de um instrumento de cordas dedilhadas, integrado por uma caixa de ressonância e um braço, sobre o qual passam as cordas, desde o extremo, onde se encontra a cravelha que serva para as retesar, até o fim da tábua da caixa. O número de cordas foi variando com as épocas e os países e, a partir do século XVI, ficou estabelecido que seriam 5. Alaude Bateria Estruturalmente idêntica ao violino, embora de dimensões um pouco maiores, a viola, derivada da chamada "viola de braço"?, integra regularmente a orquestra sinfônica e o quarteto de câmara. Seu timbre é ligeiramente mais grave que o do violino (uma quinta abaixo) e suas 4 cordas são, como no violino, afinadas em quintas (dó2, sol2, ré3 e lá3). Suas origens parecem remontar ao século XVI na Itália. As primeira violas modernas de que se tem conhecimento foram fabricadas por Andre Amati e Gasparo da Salò e possuíam dimensões um pouco maiores do que as atuais. No século seguinte, Stradivarius e Andrea Guarnerius criaram modelos de tamanho mais reduzido, que se firmaram através dos séculos. A partir de Haydn e Mozart, a viola ganhou importância como instrumento de câmara e sinfônico. No século XIX, foi valorizada por Berlioz e Richard Strauss, que compuseram solos do instrumento. No século XX, no entanto, é que surgiram as primeiras obras para viola desacompanhada, como as sonatas de Paul Hindemith. Viola Indispensáveis à orquestra, na qual foram introduzidos em 1670, pelo compositor francês Lully, os tímpanos se originaram dos "naqqara"? árabes, por volta do século XII. Constituem-se de uma caixa de ressonância feita de madeira ou metal, de formato semi-esférico, com cerca de 60 cm. de diâmetro e coberta por uma pele estendida sobre um arco. São percutidos por meio de baquetas denominadas "bilros"?, cuja extremidade, arredondada, é revestida de feltro. Em geral, a orquestra possui de dois a quatro tímpanos, executados por um mesmo instrumentista. São afinados em quartas ou quintas. Tímpano Conrafagote Este instrumento soa uma oitava abaixo do fagote. Surgiu em 1714, criado por Andreas Eichentopf, em Leipzig, sendo ocasionalmente utilizado pelos compositores clássicos. O moderno contrafagote segue o desenho idealizado, em 1870, pelo alemão Johann Heckel. De estrutura semelhante ao fagote, seu tubo, no entanto, se curva 4 vezes sobre si mesmo. Distingue-se também por um pavilhão de metal voltado para baixo. O instrumento alcança 3 oitavas, sendo o si bemol a sua nota mais grave. Nas raras vezes em que aparece como solo dentro da massa orquestral, tem por função criar atmosferas lúgubres ou grotescas. O mais grave e maior instrumento de cordas e arco, o contrabaixo surgiu também no século XVI, na Itália, modelado a partir do "violone"?, instrumento de cordas medieval. No decorrer dos séculos, foram feitas várias experiências no tocante a suas dimensões, estrutura da caixa de ressonância e número de cordas. O contrabaixo usado atualmente mede 1,82 m. de comprimento e possui 4 cordas afinadas em Quarta (mi, lá, ré e sol). Seu registro médio é de pouco mais de duas oitavas, começando pelo "mi"? mais grave da escala. Para solos, utiliza-se, muitas vezes, um instrumento um pouco menor, que apareceram no século XVII. Às vezes, podem ter uma Quinta corda, afinada em Dó superior. Para sua execução, empregam-se dois tipos de arco: o francês, mais comum, e o Simandl ou Dragonetti, de empunhadura especial, que proporciona maior peso do arco sobre as cordas do instrumento, extraindo delas um som mais forte e homogêneo. Em geral na música popular e, com menos freqüência, na erudita, é executado sem o uso do arco, com as cordas sendo dedilhadas ( "pizzicato"? ). Indispensável na música sinfônica, o contrabaixo tem por função básica reforçar os baixos da orquestra. Raramente funciona como solista. Contrabaixo Refazer a "história genealógica"? do fagote é voltar à época do Renascimento e se perder um pouco em documentos imprecisos e desfeitos pela história... À essa época não havia uma música instrumental propriamente dita, mas tão somente instrumentos que, com poucas exceções (fanfarras militares, música de dança e algum folclore) repetiam aquilo que já era cantado pela voz humana. O canto a quatro vozes era então a regra e, para que os instrumentos pudessem atender à tessitura de cada uma das vozes humanas (soprano, contralto, tenor, baixo), eles eram construídos em diferentes tamanhos, constituindo-se assim em "famílias de instrumentos"?: instrumentos menores tinham som mais agudo, os maiores, mais grave. Existiam, entre outras, famílias de violas, de flautas, de cornamusas... Até aqui a história do fagote se confunde em parte com a de outros instrumentos. É bem provável que o fagote tenha tido sua origem em um instrumento grave de uma dessas famílias de instrumentos de palhetas duplas: as bombardas. A bombarda-baixo era de um tamanho quase descomunal, necessitando por vezes de uma pessoa que a segurasse para que outra a pudesse tocar. Como a criatividade humana não conhece fronteiras, o problema logo se resolveu... Assim, a solução encontrada foi a de dobrar ao meio um instrumento que tinha mais de dois metros de comprimento! Este procedimento reduziu por certo suas dimensões, mas teve também como conseqüência uma alteração da sonoridade, e a bombarda, inicialmente de som áspero e até agressivo, passou a ter um som mais suave, mais "dolce"?, a tal ponto que tomou daí o seu novo nome: DULCIANA. Com o acréscimo de algumas chaves necessárias para que os dedos pudessem operar os orifícios mais distantes e algumas alterações de perfuração e dimensões, este passou a ser o fagote barroco. Existe uma certa crença de que o nome fagote venha do italiano "il fagotto"?, o que significa um amontoado de coisas, como por exemplo, um feixe de lenha, numa alusão ao formato que o instrumento assumiu com sua dobra ao meio. Em francês o fagote atende pelo nome de basson (uma alusão ao seu "som de baixo"??). A nomenclatura inglesa é bassoon. Fagote Surgiu na Península Ibérica em meados do século XV e ganhou toda a Europa. Na Itália, recebeu seu atual nome pois "gamba"?, em italiano, significa perna — instrumento que para ser tocado é sustentado entre as pernas. No século XVI surgem violas de vários tamanhos como a soprano, tenor e a viola contrabaixo ou violone, constituindo uma verdadeira família. O Consort of Viols — conjunto de violas — foi a formação instrumental mais popular da Renascença. No século XVII, a tendência por uma música com sonoridade mais forte e cantante no registro agudo levou à preferência pelo violino, fazendo com que as violas soprano e tenor perdessem o seu favoritismo. Até o final do século XVIII, a viola da gamba baixo era muito estimada e conheceu um período glorioso nas cortes européias, principalmente na França, com um repertório extremamente virtuoso. Aos poucos foi perdendo a sua predileção para o violoncelo, até cair em desuso. Viola de Gamba Surgiu provavelmente na França quinhentista, a partir de modificações introduzidas no trompete. Sua principal característica são as varas corrediças, cuja função é controlar a emissão e a altura do som. O corpo principal; do instrumento, extremamente simples, é formado por dois tubos paralelos, presos um ao outro. Numa extremidade está o bocal e na outra o pavilhão. Atualmente, é construído em 3 tamanhos: tenor, contralto e baixo. O primeiro é o mais utilizado em orquestras sinfônicas e é afinado em si bemol, soando uma oitava abaixo do trompete. No registro baixo, também pode ser afinado em Sol. Indispensável à orquestra, na qual foi introduzido por Beethoven, foi tratado como solista por muitos outros compositores também. No século XIX, um outro tipo de trombone, denominado de êmbolos, com 3 válvulas, era muito empregado nas orquestras, mas acabou perdendo seu lugar para o trombone de vara. Trombone Clavicordio